Archivos de la categoría Reseñas de Teatro

En CDMX tenemos cientos y cientos de teatros con todo tipo de propuestas escénicas para todo el mundo y todos los gustos. Aprovéchales, enterándote de las obras que se presentan con estas recomendaciones.

Arte y Cultura, Portada, Reseñas de Teatro

Bodas de Sangre, un clásico de García Lorca con corridos tumbados

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Esta historia nos transporta a algún poblado anónimo del norte de México, en una época que pudo ser pasada o presente; a un México donde el tiempo parece haberse detenido y las tradiciones siguen marcando el rumbo de la vida. Él es un poco ingenuo, tal vez demasiado, pero también es un hombre apasionado. Un optimista que siempre mira hacia un futuro prometedor, a pesar de cargar con un pasado sombrío.

Resulta curioso cómo pudo ser tan distinto a su madre: una mujer fuerte, profundamente arraigada a su tierra, que lleva veinte años sumida en el duelo. Primero por su esposo, y después por su primogénito, ambos asesinados por la familia rival.

Una mañana, Él le anuncia que se va a casar con la mujer a la que ha cortejado durante tres años. Aunque al principio su madre se opone —por el pasado de la novia y porque eso implicaría quedarse sola—, finalmente accede. Decide apoyar a su hijo y lo acompaña a pedir la mano de la joven.

Pero aunque Ella parecía la mujer perfecta —de buena familia, bella y dócil—, había un problema: durante años estuvo involucrada con Leonardo, el último descendiente del linaje rival, quien la dejó para casarse con su prima. Leonardo, un hombre fuerte, impulsivo, el típico macho mexicano, nunca dejó de amar a su primer amor. Por eso, cuando se entera del compromiso, decide regresar a declararle su amor, desatando una tragedia que estremecerá al pueblo… y resonará más allá de sus límites.

Bodas de sangre (1933) es la séptima obra de teatro escrita por Federico García Lorca y la primera de su célebre trilogía rural, junto con Yerma (1934) y La casa de Bernarda Alba (1936). En esta trilogía, Lorca explora la tragedia desde múltiples ángulos: la pasión amorosa, los conflictos sociales, la sexualidad y la muerte. Como podrás imaginar, Bodas de sangre gira en torno a una tragedia provocada por el amor; pero no es un amor romántico al estilo Hollywood, sino un amor pasional, visceral, de esos que arrasan con todo y pueden destruir familias enteras.

Y si conoces la obra de García Lorca, probablemente te estarás preguntando: ¿por qué Bodas de Sangre ocurre en el norte de México, si fue escrita con Andalucía en mente? La respuesta es sencilla: esta puesta en escena fue adaptada por la directora Angélica Rogel para situarla en un contexto mexicano… y es que una tragedia como esta es, al final, universal.

Pero no solo la adaptó geográficamente. Rogel también aprovechó la poética del texto original —que ya de por sí es rica y lírica— para transformarla en corridos tumbados, que funcionan como una suerte de coro griego moderno. Una decisión sorprendente y única, que inyecta una energía nueva a la obra sin traicionar su esencia.

La escenografía, sencilla pero dinámica, se adapta con fluidez a las necesidades de la historia. Y bajo la impecable dirección de Angélica Rogel, la puesta en escena nos lleva de la alegría a la tragedia, tocando nuestras emociones más profundas. Las actuaciones de Ángeles Cruz, Ana Guzmán Quintero, Miguel Tercero y Romanni Villicaña —acompañados por Eduardo Candás, María Kemp, Joan Santos y Luz Olvera— logran que la experiencia sea conmovedora desde el primer momento, incluso con un tema tan fuerte y melodramático como el que propone la obra.

Ir al Foro Shakespeare a ver Bodas de Sangre no solo es una oportunidad para acercarse al legado de uno de los poetas y dramaturgos más importantes del siglo XX, sino también para redescubrir la vigencia de sus tragedias, entendidas como relatos universales. Al mismo tiempo, es una excelente ocasión para conocer el talento de las y los creadores mexicanos que están haciendo teatro de la más alta calidad.

Datos Generales
Lugar: Foro Shakespeare – Zamora #7, Colonia Condesa, Ciudad de México, CDMX
Costo del Boleto: $600 pesos (entrada general)
Funciones: Viernes, 20:30 hrs., sábados 19:00 hrs. y domingos 18:00 hrs.
Dramaturgia: Federico García Lorca
Dirección: Angélica Rogel
Actuaciones: Ángeles Cruz, Ana Guzmán, Miguel Tercero, Romani Villicaña, Eduardo Candas, María Kemp, Luz Olvera y Joan Santos

Arte y Cultura, Reseñas de Teatro

Abraszarte, una historia donde la moda se convierte en acto de amor y redención en el Foro La Gruta (Centro Cultural Helénico)

Gracias a su madre, Hugo creció entre rollos de telas e hilos finos. Desde pequeño, se obsesionó con el mundo de la moda y soñó con convertirse en un diseñador tan creativo e influyente como Yves Saint Laurent. Cada vez que tenía un momento libre, corría a la tienda de Beatriz, su mamá, para perderse entre los aromas y las texturas de los textiles que vendían.

Un día, al no tener clases, Hugo decidió ir a ayudar a su madre. Ella, aprovechando su presencia, salió a comer su Subway al centro comercial, en lugar de quedarse en el local como solía hacerlo. Mientras atendía a dos clientas, Hugo disfrutaba del ambiente de la tienda cuando, de pronto, el dueño del local vecino —un adicto al café— irrumpió de forma acelerada. Le pidió que cerrara la tienda de inmediato y corriera al otro lado del centro comercial: “¡Algo le pasó a tu mamá!”, exclamó.

Al llegar, Hugo se encontró con una escena insólita y, para él, aterradora: su madre había abofeteado a Marisa, la vecina con la que llevaba años enemistada. El golpe fue tan certero que, al impactar los lentes de Marisa, le abrió la ceja, provocándole una aparatosa hemorragia. Por recomendación de un policía, Marisa decidió levantar cargos.

Así, Beatriz pasó de ser la respetada dueña de una tienda de telas a convertirse en “la agresora del centro comercial”, señalada por sus vecinos. Antes de ser sentenciada, debía enfrentar un juicio. Fue entonces cuando Hugo, guiado por una versión imaginaria de Yves Saint Laurent, decidió crear el atuendo perfecto para su madre: un vestido que proyectara fuerza, pero también inocencia. Porque, al final, la ropa también habla por nosotros.

Abraszarte es una obra de teatro escrita por Michel Marc Bouchard y dirigida por Alonso Íñiguez. Nos cuenta la historia de Hugo, un joven apasionado por la moda que busca redimir a su madre a través del diseño. Mientras se sumerge en esta misión, se revelan heridas familiares, emociones contenidas y un mensaje poderoso: el sufrimiento también puede nutrir la creatividad.

La historia cobra vida gracias a un elenco sólido conformado por Natalia Traven, Pedro Mira, Pablo Marines, Paloma Arredondo y Fernando Memije. Cada intérprete encarna a su personaje con vocación, convicción y oficio, logrando una conexión auténtica con el público. Bajo la dirección sensible y precisa de Alonso Íñiguez (Noche de Reyes, Pulmones, La golondrina), la obra se despliega con una fluidez escénica que evita los clichés y aprovecha al máximo cada recurso teatral.

La escenografía, diseñada por Eva Aguiñaga, cumple una función fundamental: no solo ambienta, sino que añade profundidad literal y simbólica a la puesta en escena. Con estética y agilidad, contribuye a que el espectador se sienta dentro del universo emocional de los personajes.

La puesta en escena es un vaivén de emociones que transita con naturalidad de la comedia al drama más visceral. Ese drama que todas las familias esconden —o intentan esconder—, pero que, tarde o temprano, termina saliendo a la luz.

Abraszarte es un espejo que nos recuerda que la belleza puede surgir del caos, y que la moda, más allá de la estética, también puede ser un acto de amor, resistencia y redención.

Datos Generales
Lugar: Foro La Gruta, Centro Cultural Helénico – Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn, Ciudad de México, CDMX
Costo del Boleto: $410 pesos (lo miércoles hay 2×1 en la compra de boletos)
Funciones: Viernes 20:00 hrs., sábados y domingos 18:00 hrs.
Fecha de la temporada: Del 25 de abril al 18 de mayo de 2025.
Dramaturgia: Michel Marc Bouchard
Dirección: Alonso Íñiguez
Actuaciones: Natalia Traven, Pedro Mira, Pablo Marines, Paloma Arredondo y Fernando Memije

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Ahoradespués, el monólogo con Jesús Zavala que reflexiona sobre lo que no dijimos a tiempo en La Teatrería

21 de junio de 2009. Ese Día del Padre, las Chivas se enfrentaron a los Tuzos del Pachuca en el Estadio Jalisco. Diego asistió al partido con su papá para apoyar al Rebaño Sagrado, solo para verlo perder por un gol de un jugador desconocido. Era la primera vez que iban juntos al estadio… y también sería la última. Tres meses antes, al padre de Diego le habían diagnosticado cáncer de pulmón, ya en etapa de metástasis.

Ese mismo domingo, justo ese Día del Padre, su papá se descompensó. Fue ingresado a cuidados intensivos y falleció horas más tarde en el hospital.

Durante todo el partido, Diego lloró por dentro al sentir que su padre se le escapaba. Esa noche tuvo sueños extraños, y al día siguiente —mientras su padre seguía en terapia intensiva— tuvo que ir a la escuela a presentar su examen final de biología, aunque no tenía cabeza para nada. Para colmo, su vecino lo regañó porque la enredadera del jardín había invadido su terreno. Diego, furioso y abrumado, solo pudo responder que tenían una emergencia y que la recortaría “ahoradespués“.

Ahoradespués, esa expresión tan mexicana que funciona como un sinónimo de ahorita, ese tiempo indefinido entre el presente y el nunca.

Ahoradespués es también el título del monólogo escrito por Guido Zappacosta, donde Diego —interpretado por Jesús Zavala (sí, el mismo Hugo Sánchez de Club de Cuervos)— nos lleva a revivir las últimas 24 horas de vida de su padre, aquel domingo 21 de junio. Pero el recuerdo no se queda solo en el hospital o en el momento en que su papá se descompensa; también nos transporta a otros episodios de su vida, que ayudan a entender mejor a Diego y su relación con su padre.

Es una puesta en escena íntima y sencilla, pero profundamente conmovedora. Un viaje emocional sostenido por la actuación de Jesús Zavala, quien interpreta con sensibilidad y matices a un personaje entrañable, complejo y lleno de humanidad. La escenografía, aunque sencilla, cumple una función poderosa: una cama de hospital, asientos de estadio, un aro de basquetbol, una mesita con teléfono, un letrero de cerveza Corona… todo envuelto por una jungla de plantas. Al principio, estos elementos parecen no tener relación entre sí, pero conforme avanza la obra, revelan su significado y se integran de forma orgánica al relato.

Ahoradespués es un monólogo emocional, una obra que no solo nos cuenta la muerte del padre de Diego, sino que nos permite sentir lo que él sintió: la tristeza, el enojo, la ternura, la confusión, la felicidad, la nostalgia y el amor. Es también una invitación a reflexionar sobre el duelo, la memoria y los momentos —buenos y malos— que nos han formado como personas.

Datos Generales
Lugar: La Teatrería – Tabasco #152, Colonia Roma Nte, Ciudad de México, CDMX
Costo del Boleto: $350 y $500 pesos
Funciones: Lunes 20:30 hrs.
Fecha de la temporada: Del 5 de mayo al 4 de agosto de 2025.
Dramaturgia: Guido Zappacosta
Dirección: Alonso Íñiguez
Actuaciones: Jesús Zavala

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Prima Facie, un monólogo con Regina Blandón sobre las leyes y la justicia en el Teatro Helénico

Durante siglos, los hombres se han dedicado a crear y perfeccionar un sistema de justicia que busca mantener el orden de manera justa. Un conjunto de leyes diseñado para definir y deslindar responsabilidades ante cualquier acusación. Así, ante un caso de fraude, el sistema pretende determinar de manera imparcial si el acusado o la acusada es verdaderamente culpable del delito que se le imputa. En otras palabras, podríamos decir que el sistema de justicia busca siempre alcanzar la “verdad legal” para preservar el orden social. Pero… ¿realmente es un sistema justo? ¿La justicia es verdaderamente ciega? ¿Puede aplicarse de manera equitativa en todos los casos?

Tessa es una abogada litigante ejemplar. A diferencia de muchos de sus colegas, ella no proviene de una familia de alcurnia ni de un linaje de abogados; ni siquiera tuvo la oportunidad de asistir a una escuela privada. Tessa viene de una familia humilde y tuvo que luchar toda su vida, destacando académicamente, para lograr ingresar a la facultad de derecho.

Lo que hacía de Tessa una excelente abogada era su fe ciega en el sistema. Creía firmemente que la justicia existía y funcionaba. Para ella, no era necesario preguntarle a su cliente si era culpable o inocente; su labor consistía en estudiar el caso a fondo y construir una narrativa sólida y fidedigna que no pudiera ser rebatida por el jurado. No le importaba si defendía a alguien acusado de fraude, robo, corrupción o agresión sexual: su único objetivo era defender a su cliente con tal ferocidad que el propio sistema terminara por declararlo inocente. Al final, la “inocencia” era una cuestión de verdad legal. Sin embargo, un hecho desafortunado la llevará a cambiar de lugar en la sala: pasará de ser defensora a víctima. Este giro radical la obligará a cuestionar su fe casi religiosa en el sistema de justicia.

Prima Facie es una expresión latina que significa “a primera vista” o “de entrada”, y se utiliza para indicar que algo parece cierto o válido, aunque podría ser refutado con más evidencia. Este concepto da nombre al monólogo donde Regina Blandón interpreta a Tessa, una abogada que nos relata su historia personal: su emoción al ejercer la abogacía, su confianza inquebrantable en el sistema y el momento decisivo que la llevó a poner en duda todas sus creencias.

El monólogo, escrito por Suzie Miller y dirigido por Camila Brett, no solo nos cuenta la historia de Tessa, sino que también nos invita a reflexionar sobre un sistema judicial creado por hombres y para hombres; un sistema que, a pesar de proclamarse justo, no ha contemplado verdaderamente la justicia para las mujeres. A través de Tessa —un personaje que inicia lleno de confianza y que, poco a poco, se desmorona interna y externamente—, Regina Blandón nos guía por el mundo de las leyes y la abogacía, mostrándonos las distintas caras de la justicia: cómo puede absolver a culpables y condenar a inocentes. Sin duda, una historia poderosa que deja una profunda reflexión en todas las personas espectadoras.

En cuanto a la puesta en escena, la actuación de Regina Blandón es simplemente impresionante. Se aleja por completo de los papeles que la han hecho conocida a lo largo de los años y construye un personaje que explora todas las dimensiones del ser humano, llevándonos por la confianza, la comedia y el drama de una forma única. A lo largo del monólogo, Blandón logra retomar conversaciones con otros personajes dotándolos de personalidades propias, lo que además demuestra su enorme rango actoral.

Prima Facie es mucho más que una historia contada en solitario: es una experiencia que nos invita a adentrarnos en el mundo de las leyes y cuestionar la ceguera del sistema judicial que, muchas veces, impide alcanzar una verdadera justicia.

Datos Generales
Lugar: Teatro Helénico, Centro Cultural Helénico – Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn, Ciudad de México, CDMX
Costo del Boleto: $504 planta baja zona A, $410 planta baja zona B y $360 Balcón
Funciones: Sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00
Fecha de la temporada: del 26 de abril al 11 de mayo de 2025.
Dramaturgia: Suzie Miller
Dirección: Camilla Brett
Actuaciones: Regina Blandón

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Trino en Búsqueda de su Poder Interior, teatro infantil sobre valentía y autodescubrimiento en el Teatro Xola Julio Prieto

A los pocos días de que Trino naciera, su familia fue golpeada por la tragedia. Papá, mamá y bebé contrajeron viruela, una enfermedad que, a principios del siglo pasado, era sumamente mortal. Los padres de Trino no lograron sobrevivir, pero la enfermedad no consiguió arrebatarle la vida al recién nacido. Sin embargo, aunque el pequeño logró salir adelante, su rostro quedó marcado para siempre por las cicatrices de la enfermedad. ¡Piel de metate! Le gritaban niñas y niños del pueblo y de la escuela cuando lo veían pasar. Trino sufría constantemente de acoso por su aspecto físico, y aunque era una persona noble y llena de alegría, poco a poco comenzó a sentirse mal consigo mismo. Su entusiasmo y esperanza empezaban a desvanecerse.

Pero justo cuando Trino estaba a punto de perder toda esperanza, la aventura lo llamó. Un viaje inesperado lo llevó a un camino de introspección, amistad y perdón, donde descubriría su Poder Interior. Un viaje que le enseñaría que es mucho más que su piel, mucho más que sus cicatrices y que tiene la capacidad de convertirse en lo que desee ser. Solo necesita conectar con su fuerza interior.

Trino en Búsqueda de su Poder Interior es una obra de teatro infantil escrita por Paulina Soto Oliver y dirigida por Alberto Lomnitz, que narra la emotiva historia de Trino, un niño que ha sufrido mucho por la pérdida de sus padres y por las burlas debido a su aspecto físico. Sin embargo, Trino aprenderá que su valor no radica en cómo luce, sino en la fortaleza de su espíritu.
Esta conmovedora obra invita a las infancias a reflexionar sobre el respeto hacia las demás personas y, lo más importante, a aceptarse tal y como son. Un montaje lleno de ternura y enseñanzas, donde niñas, niños y personas de todas las edades podrán divertirse mientras descubren que pueden superar cualquier obstáculo que se les presente.

La puesta en escena atrapa desde el primer momento. Gracias al ingenioso uso de títeres, proyecciones y personajes de carne y hueso, la historia cobra vida de manera fascinante. Además, la música y las canciones que acompañan la acción enriquecen la experiencia y mantienen a las infancias completamente involucradas. Un detalle que merece especial mención es el trabajo de títeres y máscaras realizado por Humberto Galicia, así como la manera en que el elenco interactúa y manipula los títeres. Desde antes de la tercera llamada, las actrices y los actores ya están enamorando al público con sus ocurrencias, invitando a niñas y niños a involucrarse activamente en cada aspecto de la obra. Su amor por la historia de Trino se nota en cada momento, logrando que la audiencia se sienta parte de esta entrañable aventura.

Trino en Búsqueda de su Poder Interior es una obra infantil que puede ser disfrutada por toda la familia. Se trata de una puesta en escena divertida y conmovedora, repleta de valiosas enseñanzas. Más allá de la historia de Trino, es una muestra del increíble trabajo que se está realizando en la escena teatral mexicana. Por todo esto y más, vale mucho la pena darse una vuelta por el Teatro Xola Julio Prieto y adentrarse en esta historia que ocurrió en Cholula, cerca de la Iglesia de Santa María Tonantzintla, a principios del siglo pasado.

Datos Generales
Lugar: Teatro Xola Julio Prieto – Eje 4 Sur Xola #809, Del Valle Norte, Ciudad de México, CDMX
Costo del Boleto: $300 pesos
Funciones: Sábados y domingos, 13:00 hrs. – Hasta el 4 de mayo, 2025
Dramaturgia: Paulina Soto Oliver
Dirección: Alberto Lomnitz
Actuaciones: Clarissa Malheiros, Paulina Soto Oliver, Ángel Luna/Carlos López Tavera y Sol Sánchez
Máscaras y títeres por: Humberto Galicia

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Todos Eran Mis Hijos, una crítica de Arthur Miller al sueño americano en el Centro Cultural Helénico

Todo comenzó una mañana de agosto de 1947. Joe disfrutaba de unas galletas de naranja con nuez mientras observaba los estragos del fuerte viento de la noche anterior. Su mirada se posó en el manzano caído por la ventisca, un árbol que habían plantado en memoria de su hijo Larry, desaparecido en acción cuatro años atrás, durante la Segunda Guerra Mundial. Kate, su esposa, nunca había superado la pérdida. Aunque lo habían dado por muerto, ella se rehusaba a aceptarlo. Ver cómo la naturaleza había arrancado el árbol de Larry, justo en vísperas de su cumpleaños, lo interpretó como una especie de augurio.

Pero ese domingo, Joe, Kate y, sobre todo, Chris, el hijo menor, intentaban mantenerse animados. Recibirían la visita de Ann Dever, quien fuera novia de Larry antes de que él partiera a la guerra. Ann no solo había sido casi una hija para los Keller, sino que también era su vecina de toda la vida. Su llegada generó gran expectación en el vecindario. Sin embargo, su visita no traería felicidad. Todo lo contrario: terminaría revelando la verdad detrás del juicio que enfrentó Joe, acusado de la muerte de 21 soldados.

Todos eran mis hijos es una obra de teatro escrita por el legendario Arthur Miller, inspirada en una historia real ocurrida alrededor de 1944 y publicada en un periódico local de Nueva York. Miller, quien había prometido abandonar el teatro si esta, su segunda obra, no triunfaba, retomó este impactante episodio de la guerra para criticar el sueño americano y los ideales que, en aquel entonces, se defendían. Esta postura lo llevaría a comparecer en 1950 ante el Comité de Actividades Antiestadounidenses, el organismo encargado de investigar propaganda nazi, comunista y del Ku Klux Klan.

En esta ocasión, la puesta en escena llega al Foro La Gruta, del Centro Cultural Helénico, bajo la dirección de Diego del Río. Con un enfoque innovador, el director recrea la historia con pocos elementos y en un espacio reducido, donde el público entrelaza con la acción. Mientras tanto, el elenco da vida a personajes explosivos y llenos de drama, ocultando con maestría sus verdaderas intenciones hasta el momento preciso.

Todos eran mis hijos es una obra intensa y llena de intriga. Lleva al espectador y espectadora a través del conflicto de una familia estadounidense que, en apariencia, es perfecta. Una muestra de que la perfección, casi siempre, es solo una ilusión.

Si quieres vivir una noche cargada de drama y tensión, descubrir (o redescubrir) a uno de los grandes dramaturgos estadounidenses del siglo XX y conocer el trabajo de un director mexicano que ha dado mucho de qué hablar, no puedes perderte Todos eran mis hijos en el Centro Cultural Helénico.

Datos Generales
Lugar: Foro La Gruta, Centro Cultural Helénico – Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn, Ciudad de México, CDMX
Costo del Boleto: $410 pesos
Funciones: Jueves y viernes de 20:00 a 23:00 hrs., sábados y domingos de 17:00 a 20:00 hrs. (con intermedio) – Hasta el 13 de abril, 2025
Dramaturgia: Arthur Miller
Dirección: Diego del Río
Actuaciones: Arcelia Ramírez, Pepe del Río, Ana Guzmán, Gonzalo de Esesarte, Fabiola Villalpando, Nicolás Pinto, Aída del Río, Evan Regueira, Abraham Jurado y Eugenio Rubio

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Toto y Pez, teatro infantil sobre la inclusión y la valentía de ser unx mismx en el Teatro Helénico

Toto es un pájaro raro. No lo digo porque tenga plumas exóticas o llamativas, sino porque no es como los demás de su parvada. A diferencia de ellos, a Toto no le interesa volar. No sueña con elevarse alto y rápido ni con surcar los cielos para hacerse notar. Lo que realmente quiere es descubrir y entender el mundo.

¡Toto no quiere ser un pájaro! Eso murmuran lxs demás cuando se reúnen en las copas de los árboles al atardecer. ¡Toto no quiere ser un pájaro! ¡Toto es tonto! La parvada no deja de burlarse de él. Incluso José, su padre, ha terminado por convencerse de que su hijo está equivocado, de que debe dejar atrás sus rarezas y comportarse como un buen pájaro. “Toto, tienes que volar más alto. Toto, tienes que volar más rápido”, le repite una y otra vez.

Un día, su mejor amigo, Pez —que, curiosamente, también es un ave— le cuenta que ha visto en el parque una bestia que lleva su mismo nombre. ¿Una bestia llamada Toto? ¡Pero si su nombre es sagrado! ¿Cómo era la criatura? “Grande, peluda y babosa”, responde Pez. Toto no puede creerlo; tiene que comprobarlo con sus propios ojos. ¿Cómo es posible que dos seres tan distintos compartan el mismo nombre? Así que, aprovechando la rutina de los humanos, decide ir al parque a conocer al otro Toto. Pero lo que parecía ser una simple visita se convierte en una aventura inesperada, en la desaparición de Toto y en un viaje que llevará a todas y todos en la parvada a comprender mejor al pájaro que no quería volar.

Toto y Pez es una obra de teatro infantil, escrita y dirigida por Luis Eduardo Yee, que busca entretener a las infancias mientras las invita a reflexionar sobre la identidad, el respeto, la inclusión y, sobre todo, la valentía de ser unx mismx. Más que una simple puesta en escena, Toto y Pez es un viaje a través de los desafíos que enfrentan los niños y niñas “diferentes“, aquellxs que no encajan con las normas impuestas por la sociedad, ya sea por su identidad de género, sus neurodivergencias o, simplemente, porque se niegan a conformarse con lo que se considera “normal”. Todo esto sin perder el tono divertido, con varios momentos de risa tanto para lxs pequeñxs como para lxs adultxs, gracias a un guion ingenioso y a actuaciones vibrantes y entrañables.

Y cuando digo “vibrantes y entrañables“, no es un eufemismo para no hablar de una mala actuación. Todo lo contrario: el elenco logra dar vida a personajes únicos, llenos de energía y carisma, capaces de mantener la atención de las y los niños durante toda la función. Esto garantiza que tus hijos, hijas o sobrinxs disfruten la obra y, al mismo tiempo, comiencen a reflexionar sobre la importancia de la inclusión y de no juzgar a los y las demás por sus identidades, gustos o diferencias.

Toto y Pez es una aventura emocionante y amigable que ofrece una hora y media de diversión y aprendizaje para toda la familia. Además, es una muestra del gran teatro infantil que se está produciendo en México. Por todo esto, vale la pena darse una vuelta por el Teatro Helénico y sumergirse en la entrañable historia de Toto y su gran amigo Pez.

Datos Generales
Lugar: Teatro Helénico – Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn, Ciudad de México, CDMX
Costo del Boleto: $290 pesos adultxs y $145 para infancias
Funciones: Sábado y domingo , 13:00 a 14:30 hrs.
Dramaturgia: Luis Eduardo Yee
Dirección: Luis Eduardo Yee
Actuaciones: Assira Abbate, Paula Watson, Rebeca Trejo, Hamlet Ramírez y Diana Sedano

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Casas Vacías, una reflexión sobre la maternidad en el Foro Shakespeare

Ella es una mujer de familia acomodada. Se casó con Fran, un catalán capaz de mantener su estilo de vida en una casona en Las Lomas, una de las zonas más exclusivas de la Ciudad de México. Es una mujer cuyo instinto de maternidad nunca afloró (o al menos no de la forma en que la sociedad lo espera), pero que se vio obligada a ser madre tras el feminicidio de la hermana de Fran. Por un lado, su esposo decidió adoptar a la hija de su hermana; por el otro, ella quedó embarazada de Daniel sin haberlo buscado.

Daniel era un niño especial, de cabello rubio y rizado, con una sonrisa capaz de conquistar a cualquiera. Un día, mientras jugaba entre el subibaja y el arenero del parque, su madre dejó de prestarle atención. Estaba ocupada viendo los mensajes de Vladimir, su amante. Y mientras ella se olvidaba de su hijo para recordar a su amante, Daniel desapareció. ¿Qué pasó con Daniel? ¿Seguirá vivo o estará muerto? ¿Tendrá un nuevo hogar? ¿Le dirá “mamá” a otra mujer?

Ella es una mujer que nació sin oportunidades ni privilegios, con una educación básica y en medio de la violencia. Se enamoró, o quizá solo se encaprichó, con Rafael, un hombre violento y alcohólico que siempre le prometió cumplir su más grande sueño: darle una hija. Y fue ese sueño el que la hizo aguantar las vejaciones y los golpes, porque algún día —se decía— tendría a su hija. Pero Rafael no compartía ese deseo, y por eso siempre terminó fuera de ella. Cuando finalmente logró quedar embarazada, él la golpeó brutalmente, arrancándole su mayor anhelo. Ni el aborto forzado ni la indiferencia de Rafael lograron borrar su deseo de ser madre. Y estaba dispuesta a hacer lo que fuera para lograrlo. Algún día, sus oraciones serían escuchadas y Leonel llegaría a su vida. Pero no todo fue como lo imaginaba: Leonel nació con autismo severo. ¿Era ese el castigo por todo lo que hizo para poder ser madre?

Dos mujeres. Dos contextos. Dos formas de entender la maternidad. Dos historias que se entrelazan en un parque y las llevan a abandonarse a sí mismas y a sus familias, hasta dejar sus Casas Vacías. Una historia que explora la maternidad desde un lugar incómodo, cuestiona el llamado “instinto materno” y nos sumerge en la desesperación de una madre que pierde a su hijo y de otra que lo encuentra, mientras las acompaña en un descenso hacia la locura (o quizá sea mejor decir desesperanza).

Casas Vacías es una adaptación teatral de la novela homónima de Brenda Navarro. Adaptada por Humberto Pérez Mortera y dirigida por Mariana Giménez, esta puesta en escena da voz a dos mujeres cuyas perspectivas sobre la maternidad son opuestas, mientras cuestiona cómo la sociedad condiciona a las mujeres al mandato de ser madres, sin importar si la maternidad es deseada o no.

Con una escenografía sencilla que evoca un parque infantil en cualquier colonia de la Ciudad de México y a través de lo que podríamos llamar monólogos cruzados, la obra atrapa a la audiencia gracias a la fuerza de su guion y a la forma en que ambas mujeres se complementan en su relato. Esta interacción, potenciada por un juego de luces preciso y significativo, junto a las actuaciones de Mariana Villegas y Paula Watson, no solo nos sumerge en la acción, sino también en las vidas, pensamientos y contradicciones de estas dos mujeres, cuyos nombres no son relevantes porque podrían ser cualquiera.

Casas Vacías es una obra tan conmovedora como incómoda, tan cruda como necesaria. Es un espejo de las maternidades reales, aquellas que pocas veces se representan sin filtros ni edulcorantes. Es una invitación a reflexionar sobre el papel de la mujer y de la madre en una sociedad que las juzga, las encasilla y, muchas veces, las deja completamente solas. Una oportunidad para pensar, desde el teatro, en los silencios y las ausencias que nos habitan.

Datos Generales
Lugar: Foro Shakespeare – Zamora #7, Colonia Condesa, Ciudad de México, CDMX
Costo del Boleto: $400 pesos (entrada general)
Funciones: Viernes, 20:30 hrs., sábados 18:00 y 20:30 hrs. y domingos 18:00 hrs.
Dramaturgia: Humberto Pérez Mortera
Dirección: Mariana Giménez
Actuaciones: Mariana Villegas y Paula Watson

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Huella de Papel, una reflexión teatral sobre la Crisis de los Cuarenta en el Centro Cultural Helénico

Me gustaría pensar que la crisis de los cuarenta no es real, que es solo una invención de Hollywood para vendernos comedias románticas en el cine. Pero cuando llegamos a los cuarenta tenemos que presentar nuestro informe de gobierno personal, pasar listado de todo lo que hemos alcanzado como personas. Y es que, al cumplir cuarenta años ya deberíamos habernos casado, haber procreado, comprado una casa o departamento y, por qué no, haber pasado por un divorcio. ¡Lo importante es habernos casado antes de los cuarenta (aunque no haya funcionado)!

Maite Elissalt es una mujer franco-española que llegó a México por un motivo desconocido, pero buscando cumplir realizarse como mujer. Doce años después, ¿qué ha logrado Mai? ¿Ha logrado cumplir con los estándares de la realización definidos por la sociedad? ¿Se casó? ¿Fue madre? ¿Logró convertirse en una gran actriz?

La crisis de los cuarenta es un duelo por la persona que pudiste haber sido y no eres.

Huella de Papel es un espectáculo unipersonal en el que Mai Elissalt narra cómo es habla sobre los desafíos a los que se ha enfrentado como mujer, actriz y migrante, ante un mundo cuyos cánones de belleza y éxito son cada vez más inalcanzables. Una obra que aborda la crisis de los cuarenta recordándonos que, no es más que una crisis derivada de las expectativas que nos creamos, o que más bien son forjadas por las ideas y creencias de la familia y la sociedad en la que vivimos. Y no solo critica la crisis de los cuarenta, sino que habla de cómo es que la sociedad impone estándares mucho más altos a las mujeres, criticándolas por su estado civil y, en especial, por su aspecto físico.

Usando títeres, proyecciones, juegos de sombras y un escritorio, Mai Elissalt nos permite conocer, de una forma juguetona, diferentes aspectos de su vida, permitiéndonos conocer a su familia, su migración y su desarrollo profesional. Además, nos permite conocer cómo es el proceso de una persona con TDAH y en cómo se siente al tener que enfrentar este mundo de apariencias. Todo, manejándolo con un toque de humor satírico que aleja a Mai de la victimización, mientras nos lleva a las personas del público a la reflexión.

Huella de Papel es una obra de teatro unipersonal sencilla, pero muy personal. Es un viaje a través de la vida de Mai, en la que podremos conocer los grandes hitos que marcaron su vida; pero también es un espejo de nuestra vida y realidad, un espejo que nos permitirá apropiarnos de la obra, llevándonos a reflexionar sobre nuestro concepto de lo que es el éxito y en cómo es que nos pegó, pegará o está pegando la crisis de los cuarenta. Por lo mismo, vale mucho la pena visitar el Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico y adentrarse en la vida de Mai Elissalt en Huella de Papel.

Datos Generales
Lugar: Foro Alternativo del Centro Cultural Helénico – Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn, Ciudad de México, CDMX
Costo del Boleto: $205 pesos (entrada general)
Funciones: Sábado y domingo , 20:00 a 21:00 hrs.
Dramaturgia: Mailte Elissalt y Paolina Orta
Dirección: Paolina Orta
Actuaciones: Mailte Elissalt

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Esto no es un Stand Up: Amanda Farah desafía el teatro con humor e irreverencia

¿Qué pasaría si Hamlet tuviera una crisis existencial en pleno siglo XXI? ¿Y si la tragedia shakesperiana se contara desde el humor, el feminismo y la irreverencia? Eso es justo lo que propone “Esto no es un Stand Up”, el primer unipersonal de Amanda Farah, que llega al Foro Alternativo con solo cuatro funciones del 8 al 16 de febrero de 2025.

Aunque el título advierte que no es un show de comedia, esta obra sí promete risas… pero también reflexión. Farah juega con las convenciones teatrales mientras explora temas como la identidad, la familia y el peso de la tragedia en nuestros tiempos. Con un lenguaje fresco y una puesta en escena que mezcla géneros, esta pieza demuestra cómo el teatro sigue siendo una herramienta poderosa para cuestionarnos y evolucionar.

Teatro, comedia y una mirada irreverente a Shakespeare

Con setenta minutos de intensidad escénica, Amanda Farah no solo interpreta, sino que también es autora y codirectora del montaje, en colaboración con María José Caballero. Juntas han dado forma a un espectáculo que desafía el formato tradicional del teatro y del stand up, creando un híbrido que juega con la espontaneidad, el drama y la ironía.

El equipo creativo se complementa con la iluminación de Ana Luisa Gama y la producción ejecutiva de Jatzke Fainsod, quienes potencian la propuesta visual y escénica de este montaje que promete sacudir al público.

Fechas, horarios y boletos

📅 Funciones: 8, 9, 15 y 16 de febrero de 2025
🕗 Horario: Sábados y domingos, 20:00 horas
📍 Lugar: Foro Alternativo (Centro Cultural Helénico, Av. Revolución 1500)
🎟️ Boletos: $248, disponibles en taquillas del recinto o en helenico.gob.mx

Si buscas una experiencia teatral fuera de lo común, con humor, irreverencia y una mirada crítica al teatro clásico, “Esto no es un Stand Up” es una opción imperdible.