¿Qué pasa cuando el país en el que naciste desaparece?

Imagina crecer en un país que vivía en constante tensión con el resto del mundo. Un país que decidió romper con los sistemas políticos y económicos predominantes con la esperanza de darles a todos y todas sus ciudadanas las mismas oportunidades. Un país que, bajo una ideología comunista —que a veces parecía más bien un capitalismo de Estado—, se enfrentaba tanto a Occidente como a sus vecinos orientales. Un país que existía en un conflicto ideológico y armamentista perpetuo… hasta que dejó de existir.

Imagina haber nacido en la Unión Soviética y ver cómo, casi de un día para otro, se disolvía, dando paso a nuevas naciones y nuevas realidades. Imagínate salir de ese nuevo país, Rusia, y llegar a México, un territorio completamente diferente en cultura, idioma y manera de entender el mundo. ¿Cómo se vive la migración cuando no solo cambias de país, sino que también se transforma tu identidad? ¿Qué pasa con los vínculos familiares, con la memoria, con lo que dejamos atrás?

Estas son algunas de las preguntas que la artista visual Ioulia Akhmadeeva —rusa de nacimiento, mexicana por elección— plantea en su exposición Territorios Alterados, que se presenta en el Museo Nacional de la Estampa (MUNAE) de la Ciudad de México.

La muestra, que reúne una década de producción artística (2014–2024), aborda temas como la migración, la guerra, la identidad y la memoria desde una perspectiva profundamente personal. A través de 43 obras que combinan técnicas como litografía, siligrafía, colotipia, collage y cerámica de alta temperatura, Territorios Alterados conecta el pasado y el presente mediante una narrativa emocional y visual que invita a reflexionar sobre nuestras propias historias de cambio y transformación.

La exposición se divide en tres núcleos temáticos —Antecedentes, Consecuencias e Incertidumbre—, e incluye objetos simbólicos intervenidos por la artista: prendas familiares, fotografías, cartas, utensilios y piezas documentales. También se exhibe un video sobre el proceso creativo de Akhmadeeva, junto con materiales complementarios accesibles mediante código QR, como entrevistas a migrantes ucranianxs.

Visitar Territorios Alterados es una oportunidad para conocer el trabajo de Ioulia Akhmadeeva, quien no solo se abre para mostrarnos sus inquietudes ante él cambio de cultura, sino que también es una invitación para llevarnos a reflexionar sobre los procesos migratorios y todo lo que ellos conllevan. Además, es una oportunidad para conocer el Museo Nacional de la Estampa y admirar el impresionante edificio neoclásico en el que se encuentra, y que alguna vez fue de la familia Del Castillo; así como de explorar la Plaza de la Santa Veracruz, que fue el atrio de la iglesia del mismo nombre, y donde también se encuentra el Museo Franz Mayer.

Prepara tu Visita
Dirección: Av. Hidalgo #39, Centro Histórico, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $60 pesos. Entrada libre los domingos
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Página Web: munae.inba.gob.mx
Instagram: instagram.com/munaemexico
Facebook: facebook.com/munaemx
Twitter: x.com/MUNAEMexico
YouTube: youtube.com/c/MuseoNacionaldelaEstampaINBAL

Rodrigo Delgado

Apasionado de la comida, siempre en busca de nuevos rincones donde disfrutar sabores únicos. Maestro de yoga y meditación, combina su espíritu tranquilo con su amor por la aventura como ciclista urbano. Admirador de la cultura mexicana, explora la magia de la Ciudad de México.

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Si te pregunto por artistas extranjerxs que se enamoraron de México al grado de naturalizarse mexicanxs y producir toda —o casi toda— su obra en nuestro país, seguramente pensarás en Remedios Varo y Leonora Carrington; quizá se te venga a la mente Mathias Goeritz o Guillermo Kahlo, el padre de Frida. Pero hay una mujer inglesa que también dejó una profunda huella en el arte mexicano, aunque su nombre ha sido injustamente olvidado: Joy Laville.

Joy Laville llegó a México inspirada por Bajo el volcán, la célebre novela de Malcolm Lowry. Se enamoró del país con tal intensidad que no solo se naturalizó mexicana, sino que aprendió a pintar aquí, motivada por el deseo de expresar la belleza que descubría a su alrededor. No formó parte de la Escuela Mexicana de Pintura ni de la Generación de la Ruptura; su obra no respondía a consignas ni corrientes dominantes. Por eso, su nombre suele quedar fuera de las grandes listas del arte mexicano, a pesar de su enorme talento y sensibilidad.

Quizá el nombre de Joy Laville no te resulte familiar, pero es muy probable que hayas visto alguna de sus obras en exposiciones colectivas, galerías o incluso en la portada de algún libro de Jorge Ibargüengoitia. Y es que Laville e Ibargüengoitia fueron más que pareja: fueron cómplices creativos. Ella pintaba, él escribía, y juntos construyeron una relación artística profunda. Por eso, buena parte de los libros del autor guanajuatense llevan en su portada una obra de Laville, como si el mundo íntimo de ambos estuviera ligado para siempre a través del arte.

Amante del color, Joy Laville exploró en su pintura combinaciones suaves y vibrantes que construyen escenas de ensoñación. Sus cuadros, aparentemente sencillos, evocan la cotidianidad desde un ángulo poético. Los colores —sobre todo lilas, azules y rosados— y las formas indefinidas invitan al espectador o espectadora a entrar en un mundo onírico, como si la artista nos ofreciera un pasaje directo a sus sueños, a su sensibilidad, a su amor por México.

Para celebrar el centenario de su nacimiento, el Museo Nacional de la Estampa presenta la exposición El mundo inmaterial. Joy Laville, una muestra íntima y poderosa que reúne más de 120 piezas creadas a lo largo de seis décadas. Esta exposición busca revalorar su legado artístico y acercarnos a una creadora que, con pinceladas suaves y delicadas, supo plasmar una visión única del mundo. La muestra es una invitación a descubrir —o redescubrir— a una mujer cuya vida y obra estuvieron teñidas de amor, complicidad y tonalidades lila.

No te pierdas esta oportunidad de dejarte envolver por la atmósfera etérea de Joy Laville y comprender por qué Ibargüengoitia solía decir que era una mujer lila. Visitar esta exposición es también un acto de justicia poética hacia una artista que pintó con el corazón y encontró en México su verdadero hogar.

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Dirección: Av. Hidalgo #39, Centro Histórico, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $60 pesos. Entrada libre los domingos
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Página Web: munae.inba.gob.mx
Instagram: instagram.com/munaemexico
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YouTube: youtube.com/c/MuseoNacionaldelaEstampaINBAL

Rodrigo Delgado

Apasionado de la comida, siempre en busca de nuevos rincones donde disfrutar sabores únicos. Maestro de yoga y meditación, combina su espíritu tranquilo con su amor por la aventura como ciclista urbano. Admirador de la cultura mexicana, explora la magia de la Ciudad de México.

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Si alguna vez has visitado el Palacio de Bellas Artes, seguramente te habrás topado, en el segundo piso, con un impresionante mural lleno de colores vibrantes que atrapan la mirada. Se trata de Liberación, una de las obras más impactantes de Jorge González Camarena, uno de los muralistas más importantes de México, cuya figura ha sido parcialmente olvidada con el paso del tiempo. Parte de ese olvido se debe al terremoto de 1957 —conocido como el temblor del Ángel— que dañó seriamente algunos de sus murales y provocó el cierre o reubicación de varios espacios donde se exhibía su obra.

¿Nunca has ido a Bellas Artes? Tal vez has visto sus obras sin saberlo. Es muy probable que alguna vez hayas tenido en tus manos un libro de texto gratuito de la SEP con una portada ilustrada por Camarena, o que recuerdes los famosos calendarios de cocina de los años ochenta y noventa con imágenes de La Patria o Nuestros valores. Su arte formó parte de la vida cotidiana de millones de mexicanos y mexicanas.

Hoy, el Museo Mural Diego Rivera te invita a redescubrir a este artista a través de la exposición Jorge González Camarena, más allá de la monumentalidad, una muestra que revela una faceta menos conocida del artista: su trabajo como ilustrador y escultor.

Una mirada íntima a González Camarena

A diferencia de la gran muestra que actualmente se presenta en el Palacio de Bellas Artes, esta exposición es pequeña, pero sumamente reveladora. Se centra en dos ejes temáticos:

• Jorge González Camarena, ilustrador: aquí se exhiben portadas de revistas emblemáticas como Cemento, Nuestro México y Revista de Revistas, publicaciones en las que Camarena colaboró durante los años veinte y treinta.
• Jorge González Camarena, escultor: esta sección muestra una cuidada selección de obra pictórica y escultórica que permite apreciar la experimentación formal del artista más allá del muralismo.

También se incluyen algunas portadas originales de los libros de texto gratuito de la SEP, que seguramente reconocerás al instante. Esta conexión entre el arte y la vida cotidiana refuerza la importancia cultural de Camarena como formador visual de generaciones.

Una experiencia complementaria e imperdible

Jorge González Camarena, más allá de la monumentalidad es una exposición modesta en tamaño, pero rica en contenido y significado. Funciona como el complemento perfecto a la exposición La utopía inacabada que se presenta en el Museo del Palacio de Bellas Artes. Mientras que una explora su faceta monumental y pictórica, esta muestra en el Museo Mural Diego Rivera nos revela su lado más íntimo, cercano y versátil.

Además, visitar esta exposición te da la oportunidad de contemplar otra joya del muralismo mexicano: Sueño de una tarde dominical en la Alameda Central, el majestuoso mural de Diego Rivera que se encuentra en la sala principal del museo.

Una valiosa oportunidad para redescubrir a un artista fundamental

Visitar esta exposición es una oportunidad única para conocer a profundidad el legado de Jorge González Camarena, un creador que supo llevar el arte a todos los rincones de la vida nacional: desde los muros de los grandes recintos hasta las portadas que acompañaron la educación de millones. Si quieres comprender el alcance real del muralismo mexicano y descubrir una faceta poco conocida de uno de sus exponentes más prolíficos, no te pierdas esta exposición temporal en el Museo Mural Diego Rivera, a solo unos pasos del Palacio de Bellas Artes.

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Vigencia: Hasta el 24 de agosto de 2025
Dirección: Calle Colón Balderas s/n, (frente a al Metrobús Hidalgo), Centro Histórico, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $40 pesos
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Página Web: museomuraldiegorivera.inba.gob.mx
Instagram: instagram.com/museomuraldiegorivera
Facebook: facebook.com/museomural.diegorivera/
Twitter: x.com/museomural

Rodrigo Delgado

Apasionado de la comida, siempre en busca de nuevos rincones donde disfrutar sabores únicos. Maestro de yoga y meditación, combina su espíritu tranquilo con su amor por la aventura como ciclista urbano. Admirador de la cultura mexicana, explora la magia de la Ciudad de México.

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El arte contemporáneo es una aberración. Es un arte carente de valores estéticos y de profundidad conceptual. Al menos, esa es la crítica que Avelina Lesper —una de las voces más polémicas del arte en México— y muchos otros lanzan contra el arte contemporáneo. A grandes rasgos, argumentan que se trata de un arte que no es estético ni logra transmitir emoción alguna. Pero… ¿y si te dijera que hace 150 años se decía lo mismo del movimiento que transformó para siempre la historia del arte? Me refiero al impresionismo.

Este movimiento artístico surgió como una evolución del romanticismo y el realismo, y como una audaz respuesta a la llegada de la fotografía. Durante siglos, los artistas se habían dedicado a plasmar la realidad con precisión mediante su pincel, pero con la invención de la cámara fotográfica, su trabajo pareció volverse obsoleto. Mientras los pintores tardaban días o semanas en retratar una escena, los fotógrafos podían hacerlo en cuestión de minutos. Fue entonces cuando artistas como Claude Monet, Edgar Degas y Berthe Morisot decidieron rebelarse contra las reglas del arte académico y detonaron lo que hoy conocemos como la Revolución Impresionista.

Esta revolución, incomprendida en su tiempo, fue severamente criticada por las academias y expertos, pero terminaría por sentar las bases de los grandes movimientos artísticos del siglo XX, incluido el arte contemporáneo.

Para adentrarnos en esta historia apasionante, el Museo del Palacio de Bellas Artes presenta la exposición La Revolución Impresionista. De Monet a Matisse, un recorrido vibrante a través del impresionismo y sus derivaciones, con obras provenientes del Museo de Arte de Dallas. A través de esta muestra, es posible conocer de cerca a los grandes nombres del movimiento, así como comprender su poderosa influencia en los múltiples “ismos” que marcaron el siglo XX.

La exposición se estructura en cuatro ejes temáticos. Comienza con Rebeldes con causa, donde se explora cómo los impresionistas rompieron con las narrativas históricas y académicas para enfocarse en la vida cotidiana y la luz natural. Sigue con Notas de campo, que explica cómo los avances técnicos —como el tubo de pintura— permitieron a los artistas salir del estudio para capturar paisajes y escenas urbanas al aire libre, revolucionando el color y la forma.

Luego viene Efectos secundarios, una sección que muestra la evolución del impresionismo gracias a figuras como Georges Seurat, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, quienes dotaron a sus obras de mayor carga emocional y nuevas técnicas, como el puntillismo. Finalmente, Para siempre nos lleva por la influencia del impresionismo en vanguardias posteriores, como el fovismo, el expresionismo alemán o el simbolismo, con obras de André Derain, Edvard Munch, Piet Mondrian y muchos más.

La Revolución Impresionista. De Monet a Matisse no busca deslumbrar con las piezas más famosas, sino ofrecer una mirada coherente, didáctica y profunda sobre el surgimiento, evolución y legado del impresionismo. Cada obra está acompañada por una ficha detallada que permite comprender no solo su contexto artístico, sino también la vida del autor y su papel dentro de esta revolución pictórica.

Difícilmente podrás encontrar en un solo lugar el trabajo de tantos artistas fundamentales para la historia del arte: Monet, Degas, Morisot, Gauguin, Cézanne, Van Gogh, Matisse, Mondrian, Pissarro, Signac, Redon y muchos más. Esta exposición no solo te invita a ver cuadros, sino a recorrer una transformación que cambió para siempre la manera de mirar y representar el mundo.

No te la pierdas. Camina por las salas del Palacio de Bellas Artes y sumérgete en un recorrido que te hará entender por qué el arte de hoy, aunque controvertido, no se explica sin el atrevimiento de aquellos primeros rebeldes de la luz y el color.

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Vigencia: Hasta el 27 de julio, 2025
Dirección: Avenida Juarez S/N, Centro Histórico, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $90 pesos. Domingos entrada libre.
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Página Web: museopalaciodebellasartes.inba.gob.mx
Instagram: instagram.com/mbellasartes
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Rodrigo Delgado

Apasionado de la comida, siempre en busca de nuevos rincones donde disfrutar sabores únicos. Maestro de yoga y meditación, combina su espíritu tranquilo con su amor por la aventura como ciclista urbano. Admirador de la cultura mexicana, explora la magia de la Ciudad de México.

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Semana Santa es una de las celebraciones más importantes y significativas del calendario cristiano, pues conmemora el sacrificio, la muerte y la resurrección de Jesús, el hijo de Dios. Es un recordatorio de que el Mesías ofreció su vida para redimir a la humanidad del pecado original. Este episodio, combinado con el sincretismo cultural que surgió entre la Iglesia y las culturas prehispánicas dominadas, dio lugar a una gran diversidad de ritos y costumbres que, con el tiempo, se integraron al ADN de cada comunidad, sobreviviendo al paso de los siglos. Uno de los ejemplos más emblemáticos de esta fusión es el Viacrucis de Iztapalapa, una impresionante representación de la Pasión y Muerte de Cristo que se realiza desde 1843.

Con la expansión del cristianismo, especialmente del catolicismo, la conmemoración de la Pascua no solo se convirtió en uno de los pilares del calendario litúrgico, sino también en una fuente inagotable de inspiración para artistas en todo el mundo. Desde la Edad Media hasta nuestros días, numerosos creadores plasmaron los momentos más intensos de los últimos días de Jesús —en especial su Pasión y Resurrección— dejando un legado visual profundamente emotivo y cargado de simbolismo.

Aprovechando esta temporada, y con la intención de mostrar cómo la Pascua ha influenciado al arte, el Museo Nacional de San Carlos presenta la exposición Ritos y símbolos de la Pascua Cristiana. Esta muestra propone un recorrido por parte del acervo del MNSC y nos invita a reflexionar sobre las representaciones del ciclo pascual en el arte europeo de los siglos XVI y XVII, así como su apropiación y transformación en el México virreinal y moderno tras la conquista.

A través de una cuidada selección de pinturas y algunas fotografías, la exposición nos enfrenta al simbolismo de la Semana Santa y a cómo este fue influenciado por las culturas indígenas. Los evangelizadores, en su afán por acercar las tradiciones cristianas a los pueblos originarios, incorporaron elementos de rituales prehispánicos, generando un sincretismo religioso y cultural que aún hoy podemos observar.

Un detalle especialmente interesante de Ritos y símbolos de la Pascua Cristiana es su museografía: a lo largo del recorrido encontrarás cédulas informativas que explican el simbolismo de distintos elementos y tradiciones pascuales. Además, se incorporan pequeñas esferas de madera que permiten oler aromas característicos de los rituales, como la mirra y el nardo. El punto culminante de la muestra es, sin duda, la colección de fotografías que retrata la Pasión y Crucifixión de Cristo en Iztapalapa y la Quema de Judas en Tacuba, captadas durante la primera mitad del siglo XX.

Esta exposición es una oportunidad única para explorar la profunda carga simbólica y emocional de la Semana Santa desde una perspectiva artística, histórica y cultural. Ya sea que te acerques con interés religioso, estético o simplemente por curiosidad, Ritos y símbolos de la Pascua Cristiana ofrece un espacio de contemplación y entendimiento sobre cómo las creencias y las expresiones visuales han dialogado a lo largo del tiempo.

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Dirección: Av. México-Tenochtitlán #50, Tabacalera, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $60 pesos
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Página Web: mnsancarlos.inba.gob.mx
Instagram: instagram.com/museo_sancarlos
Twitter: x.com/museo_sancarlos
Facebook: facebook.com/museosancarlos

Rodrigo Delgado

Apasionado de la comida, siempre en busca de nuevos rincones donde disfrutar sabores únicos. Maestro de yoga y meditación, combina su espíritu tranquilo con su amor por la aventura como ciclista urbano. Admirador de la cultura mexicana, explora la magia de la Ciudad de México.

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