Alas y Raíces presenta dos obras lúdicas para niñas y niños de 0 a 6 años, con experiencias sensoriales y entrada libre

Durante dos fines de semana de mayo, niñas, niños y sus familias están invitados a vivir una experiencia teatral diseñada especialmente para la primera infancia. El ciclo Teatro para la Primera Infancia llega al Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico, al sur de la Ciudad de México, con funciones gratuitas los días 10, 11, 17 y 18 de mayo de 2025 a las 13:00 h.

Organizado por el programa nacional Alas y Raíces y el Centro Cultural Helénico, este ciclo busca acercar el arte escénico a bebés desde los primeros meses de vida hasta los 6 años, creando un entorno de juego, estímulo sensorial y convivencia familiar, donde las infancias ejercen su derecho a la cultura desde temprana edad.

Un jardín: teatro sensorial para bebés de 0 a 2 años

El primer fin de semana (10 y 11 de mayo), la compañía Una canasta de limones presenta Un jardín, una obra pensada para bebés de 0 a 2 años, dirigida por el actor y creador escénico Mauricio Arizona. Dos personajes entrañables, OH y JA, invitan a explorar un espacio lleno de descubrimientos sensoriales, sonidos y colores.

Importante: Para asistir a Un jardín es necesario registrarse previamente escribiendo a: registroayr@cultura.gob.mx

A volar: un viaje imaginativo con títeres y música

El segundo fin de semana (17 y 18 de mayo), se presenta A volar, una puesta en escena del Grupo Ecléctico de Teatro, escrita y dirigida por José Palacios, ideal para niñas y niños de 3 a 6 años. A través del juego, el protagonista explora el vuelo de las aves y, con ayuda de títeres, objetos y sonidos, estimula la imaginación del público infantil.

Importante: El acceso se dará mediante fichas que se repartirán 30 minutos antes de la función, con prioridad para infancias de 3 a 6 años.

Ambas obras forman parte del programa Creadores Escénicos 2020-2023 del Sistema Creación, y son muestra del compromiso por generar espacios culturales accesibles y pensados desde las necesidades de la niñez.

¿Dónde y cómo asistir?

📍 Centro Cultural Helénico
Avenida Revolución 1500, colonia Guadalupe Inn, alcaldía Álvaro Obregón, CDMX
🕐 Todas las funciones son a las 13:00 h
🎟️ Entrada libre con cupo limitado

Consulta más detalles en:
👉 alasyraices.gob.mx/teatro-infancias
👉 helenico.gob.mx

Síguelos en redes sociales:

Alas y Raíces
Facebook: @AlasYRaicesMX | X: @AlasyRaices | Instagram y YouTube: @alasyraicescultura

Centro Cultural Helénico
Facebook: Centro_Cultural_Helénico | X: @Helenico | Instagram y YouTube: @centro_cultural_helenico

Secretaría de Cultura
X: @cultura_mx | Facebook: /SecretariaCulturaMX | Instagram: @culturamx

Una obra que explora el amor entre madre e hijo a través del diseño, la memoria y la herida emocional

En una boutique que parece salida de un sueño y al mismo tiempo de una pesadilla emocional, se desarrolla Abraszarte, la nueva puesta en escena escrita por el dramaturgo canadiense Michel Marc Bouchard, dirigida por Alonso Íñiguez y protagonizada por Natalia Traven y Pablo Marines. La obra ha iniciado temporada en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico con funciones hasta el 23 de junio de 2025, y es una experiencia imperdible para quienes disfrutan del teatro contemporáneo que confronta con sensibilidad y belleza.

Abraszarte pone el foco en Hugo, un joven apasionado por la moda que intenta limpiar el nombre de su madre Beatriz, acusada de agredir a otra mujer en un centro comercial. Convencido de que un buen diseño puede cambiar el destino, decide confeccionar un vestido con el que ella se presentará ante el juez. En ese pequeño universo —una tienda de telas que es a la vez taller, sala de juicio y espacio de catarsis— se despliega una historia de amor filial cargada de tensión, humor, y dolor.

A lo largo de la obra, Hugo dialoga con su ídolo imaginario, el legendario diseñador Yves Saint Laurent (interpretado por Pedro Mira), quien lo guía entre costuras y decisiones difíciles, actuando como su conciencia y su escape. A su alrededor, otros personajes como un policía (Fernando Memije) y una vecina (Paloma Arredondo) alimentan el conflicto con puntos de vista que oscilan entre la crítica social y la compasión.

El diseño escenográfico de Eva Aguiñaga y el vestuario de Luis Roberto Orozco elevan la experiencia estética, al tiempo que refuerzan los temas centrales: la moda como acto simbólico, el cuerpo como territorio de poder, y la familia como campo de batalla emocional.

Quienes han asistido coinciden en que la obra conmueve y sacude. “La metáfora del vestido me pareció brutal”, comentó una espectadora. “Es un recordatorio de que algo hermoso puede salir del dolor, pero no sin cicatrices”. Otro asistente expresó: “Te hace pensar en lo que uno está dispuesto a hacer para sentirse amado. Salí con una mezcla de risa, nudo en la garganta y mucha reflexión”.

La dirección de Íñiguez brilla por su contención y su atención al detalle emocional de cada personaje. Natalia Traven da vida a una Beatriz que oscila entre la altivez y la fragilidad, mientras que Pablo Marines interpreta a Hugo con una mezcla entrañable de vulnerabilidad, esperanza y rabia contenida.

Abraszarte se presenta los viernes a las 20:00 h y sábados y domingos a las 18:00 h en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico (Av. Revolución 1500, col. Guadalupe Inn). Los boletos están disponibles en taquilla o en helenico.gob.mx.

Si te interesa el teatro que explora las emociones familiares con inteligencia estética y profundidad simbólica, esta obra es para ti.

¿Qué sucede cuando la imaginación se convierte en la única vía de escape? La periodista, puesta en escena de Ánima Teatro, utiliza el poder de la palabra como forma de resistencia frente al encierro físico y mental. La obra, escrita y dirigida por Emilio Urióstegui y protagonizada por Ana Cordelia Aldama, se presenta del 3 al 25 de mayo en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque.

Teatro y periodismo: dos trincheras de libertad

En este unipersonal de 60 minutos, una mujer encarcelada —periodista de oficio y convicción— reconstruye su historia desde una celda que también funciona como metáfora. La protagonista convierte la entrevista a su celadora en un espejo que refleja no sólo su propia vida, sino la estructura social que las oprime a ambas. La cárcel deja de ser sólo barrotes y muros: es también una prisión de género, de estigmas, de silencios.

“La obra busca mostrar cómo la imaginación se vuelve la única forma de libertad interior”, explica Urióstegui. “La periodista no sólo observa a la celadora, se reconoce en ella. Ambas están atravesadas por mandatos y violencias que definen sus papeles en el sistema”.

Una experiencia sensorial que rompe el encierro

Más allá del texto, el diseño escénico transforma un metro cuadrado en un universo simbólico. El diseño sonoro y la música original, a cargo de David Rodríguez, junto con la iluminación diseñada por Gabriel Silva y el propio Urióstegui, dibujan con luz y sonido los contrastes entre encierro y libertad, entre opresión y deseo de emancipación.

A través del teatro, La periodista propone al público mirar hacia dentro: reconocer sus propias prisiones cotidianas, cuestionar los discursos dominantes y convertir el silencio en palabra activa.

Funciones y entradas

📍 Sala Xavier Villaurrutia, Centro Cultural del Bosque (atrás del Auditorio Nacional)
📅 Del 3 al 25 de mayo
🕗 Horarios:

• Jueves y viernes: 20:00 h
• Sábados: 19:00 h
• Domingos: 18:00 h

🎟️ Entradas:

• General: $150
• Jueves al Teatro: $30
• Descuento del 50% para estudiantes, maestros e INAPAM
• Gente de Teatro: $45 en cualquier función

Boletos disponibles en taquilla y en teatroinbal.sistemadeboletos.com.

Una celda se convierte en escenario. Una mujer, en símbolo de resistencia. Y el periodismo, en un grito de libertad. Así es La periodista, un unipersonal escrito y dirigido por el dramaturgo mexicano Emilio Urióstegui, que se presenta en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque.

Protagonizada por la actriz Ana Cordelia Aldama, esta obra de teatro aborda temas urgentes como la ética periodística, la libertad de expresión y la represión contra quienes ejercen la labor informativa en contextos adversos. Todo desde una propuesta escénica íntima y poderosa, con toques de humor y fantasía que abren espacio a la esperanza.

Una celda, una historia y una voz que no se calla

Durante 60 minutos, el público acompaña a una reportera latinoamericana que ha sido encarcelada. En la soledad de una celda de castigo, comparte su historia: su amor por el periodismo, sus principios, y las decisiones que la llevaron hasta ahí. La entrevista que realiza a su celadora se convierte en el vehículo para revelar las complejas dinámicas de poder que buscan silenciar la verdad.

La propuesta —una producción de la compañía Ánima Teatro— se estrenó por primera vez en 2011 y ha evolucionado para seguir dialogando con el presente. La cárcel que se presenta en escena funciona como metáfora de los obstáculos que enfrentan la prensa y la libertad de pensamiento.

“Creamos un personaje que representa al periodismo ético”, señala Emilio Urióstegui, autor y director de la obra. “Queríamos hablar de cómo el arte y la comunicación comparten esa lucha por una libertad de expresión responsable”.

Diseño escénico que transforma el encierro

El diseño sonoro y la música original son de David Rodríguez; la iluminación, a cargo de Gabriel Silva y del propio Urióstegui, transforma el espacio para llevar al espectador más allá de los barrotes. Así, la escena pasa de la oscuridad al anhelo de libertad.

¿Cuándo y dónde ver La periodista?

La obra se presenta del 3 al 25 de mayo en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque (atrás del Auditorio Nacional).
Horarios:

• Jueves y viernes: 20:00 h
• Sábados: 19:00 h
• Domingos: 18:00 h

Boletos:

• Entrada general: $150
• Jueves al Teatro: $30 todas las funciones
• 50% de descuento para estudiantes, maestros y personas con credencial INAPAM
• Afiliados al programa Gente de Teatro: $45 cualquier día

Adquiere tus entradas en taquilla o en teatroinbal.sistemadeboletos.com.

Una versión libre de Romeo y Julieta se presenta en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque hasta el 11 de mayo de 2025, con funciones en español y lengua cora (náayeri)

¿Es posible contar a Romeo y Julieta desde el corazón de la cosmovisión indígena mexicana? Nacahue: Ramón y Hortensia demuestra que sí. La compañía Los Colochos Teatro vuelve a los escenarios con una adaptación profundamente física, poética y culturalmente diversa, hablada en español y náayeri, lengua del pueblo cora.

La obra, escrita por Marco Vidal y dirigida por Juan Carrillo, se presenta en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque con funciones de jueves a domingo hasta el 11 de mayo de 2025. La propuesta ha conquistado al público desde su estreno en 2017 en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en España, y ha seguido consolidándose como una de las reinterpretaciones más potentes y originales de los clásicos shakesperianos en México.

Un amor prohibido entre coras y huicholes

En lugar de Verona, la tragedia se sitúa en un territorio simbólico habitado por dos pueblos originarios: coras y huicholes. Ramón, joven cora que participa en los rituales de Semana Santa, conoce a Hortensia, mujer huichola en fuga. Aunque no hablan el mismo idioma, se entienden desde el cuerpo, la intuición y el deseo de conexión.

Para Alfredo Michel Modenessi, asesor textual de la obra, esta versión tiene un poder particular: “Nacahue no adapta a Shakespeare al pie de la letra, sino que lo reinventa desde los conflictos propios. Los Colochos hacen magia desde ahí”.

Teatro con cuerpo, alma y lengua originaria

La puesta en escena se distancia del teatro convencional al privilegiar la corporalidad sobre las palabras. La lengua cora, traducida y asesorada por Edisa Altamirano Domínguez, es tan importante como el movimiento, los textiles y la música en vivo, que sumergen al espectador en una experiencia sensorial intensa.

Para la actriz Yadira Pérez Esteban, que interpreta a Joaquina, el proceso de aprender náayeri fue tan desafiante como revelador: “Es un idioma precioso y distinto al castellano. No lo aprendí desde el significado, sino desde el cuerpo. Queremos que el público no solo escuche, sino que sienta”.

Un proceso vivo y colaborativo

Durante más de un año, la obra fue moldeada con la participación activa del público. Mario Eduardo D’León, actor y productor, cuenta: “Hacíamos lecturas con espectadores desde el inicio, les preguntábamos qué les llegaba, qué no. Así fue creciendo la obra, con escucha y adaptación constante”.

Funciones y elenco

Nacahue: Ramón y Hortensia se presenta hasta el 11 de mayo de 2025, con funciones los jueves y viernes a las 20:00 h, sábados a las 19:00 h y domingos a las 18:00 h. El elenco está conformado por Mario Eduardo D’León, Sonia Couoh, Marco Vidal, Erandeni Durán, Yadira Pérez y Ulises Martínez.

La escenografía es de Auda Caraza, iluminación de Tania Rodríguez, vestuario de Libertad Mardel y música en vivo original. La producción forma parte del estímulo EFIARTES y continúa el camino iniciado por Los Colochos con Mendoza (inspirada en Macbeth) y su versión de Otelo.

Si buscas una obra que te emocione, rete tus sentidos y te acerque a las lenguas originarias de México, Nacahue: Ramón y Hortensia es una experiencia teatral imperdible.

Catorce propuestas fueron seleccionadas para impartirse de junio a noviembre en tres estados, con temas que van desde la dramaturgia hasta la producción escénica con perspectiva de género.

El impulso a la profesionalización artística sigue creciendo en el país. Como parte de una iniciativa que busca acercar saberes teóricos y prácticos de las artes escénicas a nivel regional, la convocatoria Saberes sobre la escena 2025 ya tiene resultados: se seleccionaron 14 talleres de 47 postulaciones, los cuales se impartirán gratuitamente en Aguascalientes, Colima y Nayarit entre los meses de junio y noviembre.

La convocatoria fue organizada por la Secretaría de Cultura federal a través del Centro Cultural Helénico, en colaboración con el Instituto Cultural de Aguascalientes, la Secretaría de Educación y Cultura de Colima, y el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Nayarit.

Cada taller fue pensado para fomentar habilidades creativas y formativas entre artistas escénicos, estudiantes y público interesado en disciplinas como dirección, dramaturgia, producción y animación. Las sesiones serán presenciales y tendrán una duración de 10 horas distribuidas en tres o cuatro días, en las capitales de cada estado.

Talleres seleccionados por estado

En Aguascalientes, se impartirán ocho talleres:

• Taller de producción escénica, metodología para la autogestión – Alma Guadalupe Ramos Zuany
• Escena y cultura – un proyecto en movimiento – Francisco Antonio Ibarra León
• Dramaturgia documental – Claudia Johana Tobo Tobo
• Training de dramaturgia – Ginés Octavio Cruz Díaz
• Dirección escénica: la puesta en escena como producción de acontecimiento – José Alberto Gallardo Fernández
• Tejiendo audiencias: mujeres en las artes escénicas – Zuri Sadai Garnica Hernández
• Dirección escénica y perspectiva de género: estrategias para una creación incluyente – Ariadna Circee Rangel Franco
• La escena como lienzo: el vestuario del diseño hasta la producción consciente – Sergio Andrés Mirón Morales

En Colima, se ofrecerán cuatro:

• Laboratorio de animación de títeres y objetos – Carolina Pimentel López
• Creación de documentales performativos – Diego Cristian Saldaña Sifuentes
• Taller de escritura. Dramaturgia. Autoficción – Verónica Musalem Moreno
• Habitar la ausencia: taller de teatro físico desde el archivo y la plástica lumínica – Jaime Ignacio Noguerón Sánchez

En Nayarit, dos talleres cerrarán la programación:

• Producir teatro en mi entorno: herramientas para afrontar los retos de la producción escénica – Ramón Verdugo López
• Dramaturgia urbana: memoria del mapeo en los indicios del asfalto – Fernanda Edith Toral Sánchez

Un mapa de formación escénica diverso y contemporáneo

El comité de selección, integrado por Michelle Guerra, Valeria Paulino y Juan Carlos Saavedra, destacó la riqueza de miradas y enfoques de las propuestas recibidas. Coincidieron en que estas iniciativas no solo responden a las necesidades particulares de cada entidad, sino que también trazan una ruta hacia nuevas formas de compartir conocimiento en el ámbito escénico.

Para conocer más sobre los talleres y fechas exactas de cada sede, puedes visitar: helenico.gob.mx o mexicoescultura.com.

Títeres, teatro de sombras y música en vivo dan vida a esta historia entrañable que se presentará en Mérida y El Cuyo este mayo

La entrañable obra Trino en búsqueda de su poder interior llega a Yucatán este mes de mayo con dos funciones especiales: el sábado 17 en el Teatro Daniel Ayala de Mérida y el domingo 18 en el Domo Municipal de El Cuyo. Esta propuesta escénica para toda la familia combina técnicas ancestrales como el teatro de sombras con elementos contemporáneos como la multimedia, para contar una historia luminosa sobre la búsqueda de identidad, la aceptación y el poder de la compasión.

Inspirada en un cuento escrito por su propia abuela, la autora, actriz y productora Paulina Soto Oliver rinde homenaje a su linaje de mujeres narradoras mientras reflexiona sobre temas tan actuales como la discriminación y el rechazo. Dirigida por Alberto Lomnitz y producida por En Su Tinta Producciones y Omar Saa, la obra ha conmovido a públicos de todas las edades desde su estreno en 2023.

El protagonista de esta aventura es José Trinidad Moyotl, “Trino”, un niño que, tras perder a sus padres y sufrir el rechazo de su comunidad, se embarca en un viaje simbólico para descubrir su fuerza interior. A través de personajes entrañables y escenarios mágicos, Trino aprende que la empatía y el amor propio son claves para sanar y florecer.

“Todos queremos ser amados y aceptados. Trino busca exactamente eso: un lugar donde sentirse reconocido y abrazado”, comenta Paulina Soto.

Además de ser un viaje interior, Trino es una experiencia visual y sonora que combina títeres, música en vivo, proyecciones y teatro de sombras en una puesta en escena cuidadosamente elaborada. Cada función es una invitación a reconectar con la ternura, la imaginación y las emociones profundas.

Fechas, horarios y precios en Yucatán:

• Sábado 17 de mayo – 18:00 h
  • Teatro Daniel Ayala, Calle 60 núm. 499, colonia Centro, Mérida.
  • Boletos: $250 y $200 pesos en Tus Boletos MX y en línea.
  • Parte de la taquilla será donada al DIF Yucatán para fomentar el acceso a la cultura.
• Domingo 18 de mayo – 18:30 h
  • Domo Municipal de El Cuyo, esquina de calles 21 y 20.
  • Función gratuita, adaptada para espacio abierto.

Estas presentaciones son posibles gracias al apoyo de RADAR (Efiartes), Secretaría de la Cultura y las Artes de Yucatán, CEPREDEY, Dirección de Cultura del Ayuntamiento de Tizimín y Aldea Sáas.

“Compartir Trino con las infancias y comunidades de Yucatán es un sueño. Es una historia que nos recuerda que todos tenemos un poder interior que florece cuando somos compasivos con nosotros mismos y con los demás”, concluye la autora.

Con un elenco encabezado por Clarissa Malheiros, Paulina Soto, Sol Sánchez y Carlos López Tavera, Trino en búsqueda de su poder interior es una experiencia escénica que deja huella y que invita a mirar el mundo —y a uno mismo— con más ternura.

El Café K-OZ Foro Cultural presenta esta poderosa puesta en escena de Kerim Martínez, con funciones todos los viernes del 2 de mayo al 6 de junio de 2025

¿Qué pasa cuando morimos? ¿Qué secretos quedan atrapados en los rincones de la memoria? Estas son algunas de las preguntas que plantea Clementina y sus cabellos color plata, una obra escrita y dirigida por Kerim Martínez, que regresa a los escenarios a más de dos décadas de su estreno original. La cita es todos los viernes, del 2 de mayo al 6 de junio, a las 20:30 horas, en el Café K-OZ Foro Cultural, ubicado en Polanco.

Esta historia íntima y conmovedora comienza con la muerte de Clementina. Pero la muerte no es el final: es apenas el umbral hacia un espacio construido de recuerdos, sombras y silencios. Allí, se reencuentra con figuras clave de su pasado: su hija menor, con quien mantuvo una relación tensa, y su sobrino, a quien crió como si fuera suyo. Entre confesiones no dichas y verdades inesperadas, Clementina tendrá que enfrentar lo que dejó inconcluso… incluso más allá de la vida.

Con una puesta en escena cargada de simbolismo, música y elementos oníricos, el montaje busca tocar fibras profundas del espectador. El elenco está conformado por Carmen Vera, María Renée Damm y José Morán / Rod Oscós (quienes alternan funciones), y ofrece una experiencia sensorial e inmersiva que combina el drama con momentos poéticos.

Una obra que vuelve al origen para hablar del presente

Clementina y sus cabellos color plata fue la primera obra escrita por Kerim Martínez durante su etapa universitaria. Inspirado por vivencias personales y acompañado en sus inicios por el director Horacio Almada y la actriz Carmen Vera, el texto vio la luz por primera vez en 2003 en el extinto Foro Luces de Bohemia.

Hoy, más de veinte años después, esta nueva temporada representa un reencuentro con las raíces creativas del autor, quien ha consolidado una carrera en el teatro y el guionismo. El montaje también forma parte de la celebración por los 40 años de trayectoria artística de Carmen Vera, quien regresa al escenario con su reconocida sensibilidad y fuerza interpretativa.

La obra habla de muerte, pero también de redención. De lo que se pierde, pero también de lo que aún puede repararse. Por eso, sigue resonando con el público actual: porque todos, en algún momento, enfrentamos los fantasmas del pasado.

Información útil para asistir

• 🗓 Temporada: del 2 de mayo al 6 de junio de 2025
• 🕣 Funciones: viernes, 20:30 h | Duración: 70 minutos
• 📍 Lugar: Café K-OZ Foro Cultural (Séneca s/n, casi esquina Homero, Polanco)
• 🎟 Boletos: $350 entrada general | $250 estudiantes e INAPAM
• 📲 Reservaciones: vía WhatsApp al 5555042210 o en redes sociales @cafekozforo
• 👤 Clasificación: adolescentes y adultos

“Mientras sigamos aquí, hay que hacer lo que nos gusta. Ya después, será un misterio lo que podamos hacer o no.”
— Kerim Martínez

Del 5 de mayo al 10 de junio de 2025, el Teatro Helénico será el escenario de Gaspar y Violeta, una poderosa obra escrita y dirigida por Sergio López Vigueras. Inspirada en el testimonio de Patricio Rivas, un líder estudiantil chileno torturado y exiliado tras el golpe de Estado contra Salvador Allende, esta pieza teatral se adentra en las sombras de la represión política y celebra el poder del arte como herramienta de resistencia. La preventa de boletos con 30% de descuento estará disponible hasta el 5 de mayo.

Una historia de lucha y memoria: Gaspar y Violeta

La obra está basada en la experiencia real de Patricio Rivas, quien fue miembro del Movimiento de Izquierda Revolucionaria (MIR) en Chile y vivió en carne propia las consecuencias del golpe de Estado de 1973. A través de su testimonio, Gaspar y Violeta se convierte en una reflexión profunda sobre la memoria histórica de Latinoamérica y su impacto en los desafíos políticos actuales. Más de 50 años después de aquel evento traumático, la pieza se presenta como una oportunidad para revivir y repensar un capítulo fundamental de la historia contemporánea.

El arte como resistencia frente a la opresión

En esta obra, la tortura y la opresión se enfrentan a la fuerza inquebrantable del arte. La historia se centra en Gaspar, un hombre marcado por el sufrimiento y el recuerdo de la persecución, que evoca a Violeta, una figura simbólica que representa la esperanza y el poder transformador del arte. A través de un lenguaje visual y sonoro impactante, la puesta en escena nos invita a reflexionar sobre cómo, incluso en los momentos más oscuros, el arte se convierte en una luz que desafía el olvido.

Como señala el propio Sergio López Vigueras, la obra no solo busca conmover, sino también generar una reflexión crítica sobre el poder del arte para iluminar las épocas más oscuras. “Gaspar y Violeta” utiliza elementos de humor negro y farsa para evitar caer en un tono didáctico y, en su lugar, fomentar un debate sobre el avance de proyectos políticos autoritarios en el contexto contemporáneo.

Un elenco y equipo creativo de alto nivel

El elenco de Gaspar y Violeta cuenta con las actuaciones de Horacio Trujillo, Alberto Cerz, Nora Del Cueto, Daniela de los Ríos y Tony Corrales, quienes darán vida a los personajes que atraviesan este viaje emocional hacia la resistencia y la búsqueda de la libertad. Además, el equipo creativo está compuesto por profesionales destacados: Sergio López Vigueras en la dramaturgia, dirección e iluminación; Pepe Morales como asistente de dirección; Carolina Jiménez en el diseño de escenografía; Jerildy Bosch en el diseño de vestuario; Isay Ramírez en el diseño sonoro y la composición; y Miriam Romero en el diseño de video.

Boletos y detalles de la función

Gaspar y Violeta se presentará del 5 de mayo al 10 de junio de 2025 en el Teatro Helénico, ubicado en Avenida Revolución 1500. Las funciones serán lunes y martes a las 20:00 horas. El costo de los boletos es de $250, con un 30% de descuento en la preventa disponible hasta el 5 de mayo. Las entradas pueden adquirirse directamente en las taquillas del Centro Cultural Helénico o a través de la página oficial: helenico.gob.mx.

No pierdas la oportunidad de ser parte de una experiencia que no solo revive un capítulo doloroso de la historia de Chile, sino que también invita a reflexionar sobre la resiliencia humana y el poder transformador del arte frente a la adversidad.