Archivos de la categoría Teatro

En CDMX tenemos cientos y cientos de teatros con todo tipo de propuestas escénicas para todo el mundo y todos los gustos. Aprovéchales, enterándote de las noticias de las obras que se presentan con estas recomendaciones.

Laura Almela comparte su visión del arte actoral en el Helénico: un taller para reencontrarse con la esencia del teatro

La actriz mexicana, con más de 70 obras en su trayectoria, guía a nuevas generaciones en una experiencia íntima de exploración escénica, emoción y rebeldía poética.

En una sala del Centro Cultural Helénico, 16 creadoras y creadores escénicos se dieron cita para algo más que un curso: una conversación profunda sobre el oficio de actuar. Quien la conduce es Laura Almela, figura clave del teatro mexicano, quien abrió su taller “El trabajo del actor sobre sí mismo” con una frase que marca la pauta: “No siento que voy a dar una clase. Compartimos nuestras dudas, nuestras trabas. Eso que nos hace vulnerables”.

El encuentro forma parte del ciclo “Grandes Maestras y Maestros de la Actuación Mexicana”, una iniciativa que, de marzo a septiembre de 2025, reúne a nombres imprescindibles de la escena nacional para dialogar directamente con intérpretes jóvenes. Más que transmitir técnicas, se trata de generar comunidad y reflexión.

Actuar desde lo vivo y lo poético

Para Almela, uno de los grandes retos del teatro es evitar la mecanización. “Cada función debe estar viva. No puede ser una repetición robótica. El teatro es un acontecimiento frente al espectador”, señala. Por eso, su taller invita a mirar hacia dentro, a conectar con las emociones, a construir imágenes personales y a encontrar lo que ella llama la poética propia: una forma única de procesar y expresar lo que se vive.

“La poética no es un adorno”, dice. “Es una herramienta legítima. Un punto sofisticado del oficio, pero también profundamente humano”.

El escenario como lugar de rebeldía

Almela habla del teatro como un espacio de resistencia, de pensamiento y libertad. “Les digo a mis alumnos que sean una lata, que pregunten todo, que no dejen pasar una. Que lean, que se atrevan a ser libres”. Y aunque su carrera incluye películas como Güeros o Amores perros, su lugar está, sin titubeos, sobre las tablas: “El teatro me da horror bonito. Me gusta el camerino desvencijado, el garrafón de agua. Esa vida me hace feliz. Es el mejor oficio del mundo”.

Un taller que conecta generaciones

Aunque reconoce que el diálogo entre generaciones no siempre es sencillo, Almela valora profundamente la apertura de sus estudiantes: “Me enseñan que compartir es valioso. Se hacen preguntas, se cuestionan. Y eso es una base maravillosa para el trabajo”.

Para ella, el actor lleva siempre consigo su herramienta de trabajo: el cuerpo, la voz, la vida. “No somos un violín. Somos personas que nos partimos en pedazos para compartir con otros”.

El taller “El trabajo del actor sobre sí mismo” continúa en el Helénico hasta el 6 de junio. Para quienes deseen conocer más sobre esta y otras actividades, pueden consultar las redes sociales y el sitio web oficial del Centro Cultural Helénico.

Lila, circo contemporáneo que desafía los estereotipos de género en el Teatro Helénico

Una propuesta escénica que fusiona danza, teatro y acrobacia para reflexionar sobre la experiencia de ser mujer en México

¿Qué significa ser mujer en una sociedad marcada por la violencia y los estereotipos? Lila, una obra de circo contemporáneo con dirección de Jessica González y Jorge Díaz, se adentra en esta pregunta con una propuesta estética poderosa y conmovedora. La puesta en escena estará en temporada del 17 de mayo al 22 de junio de 2025, con funciones sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Helénico.

Con un lenguaje que combina danza, teatro físico, clown y técnicas de circo como trapecio, tela, aro y mástil chino, Lila pone en el centro del escenario a cinco mujeres que comparten testimonios sobre las exigencias, violencias y expectativas que enfrentan desde distintas etapas de la vida. A través del movimiento y la acrobacia, cada intérprete cuestiona qué implica ser mujer en México, y cómo reconstruirse desde la fuerza, la fragilidad, la belleza y la resistencia.

Inspirada por preguntas tan directas como: ¿Cuándo fue la última vez que te sentiste acosada? o ¿Cómo te dijeron que tenías que ser mujer?, la obra busca generar una conexión profunda con el público. De hecho, antes de cada función se realiza una dinámica con las y los asistentes para abrir el diálogo y preparar emocionalmente la experiencia escénica.

Circo como herramienta de denuncia poética

Creada por la compañía Tránsito Cinco Artes Escénicas, esta pieza surgió en 2017 como una forma de hacer del circo un espejo poético de la realidad. Aquí, lo extraordinario no es solo lo físico: es la capacidad de evidenciar las injusticias cotidianas que viven las mujeres y transformarlas en acto escénico.

En escena participan Alejandra Palestina, Ali Salguero, Ixchel Salazar, Fernanda Palacios y Jessica González, quienes también colaboran en el proceso creativo del montaje. El diseño de iluminación está a cargo de Edgar Mora, el vestuario fue diseñado por González, mientras que el rigging corre por cuenta de Jorge Díaz y Eduardo Martínez. La asistencia de dirección está en manos de Daniela Díaz, y el diseño gráfico es obra de Jhair Monterrubio.

El muro y la carne: danza y albañilería se entrelazan en una pieza escénica en el Museo del Chopo

Del 16 al 18 de mayo de 2025, el Museo Universitario del Chopo será escenario de El muro y la carne, un ensayo audiovisual en vivo creado por Nadia Lartigue y Juan Francisco Maldonado, que fusiona danza contemporánea y el oficio de la albañilería en un diálogo poético y físico sobre el cuerpo, el trabajo y el conocimiento.

La pieza es resultado de un año de observación de una cuadrilla de albañiles durante la remodelación de una casa en la colonia Santa María la Ribera, donde se ubica el propio museo. Desde esa cercanía, Lartigue y Maldonado plantean una mirada sensible y subjetiva al universo del trabajo manual y sus saberes, que muchas veces pasan desapercibidos en la cotidianidad urbana.

Cuerpos que construyen: danza y oficios en diálogo

El muro y la carne forma parte de la investigación Cuerpo, oficio y trabajo, un proyecto de largo aliento que explora las conexiones entre disciplinas corporales como la danza y oficios físicos como la albañilería. El resultado es una propuesta escénica que trasciende la representación para convertirse en experiencia sensorial y reflexión coreográfica.

Lejos de la metáfora fácil, la obra profundiza en la dimensión humana del trabajo de construcción: sus gestos repetitivos, la organización colectiva, las estrategias pedagógicas informales y la relación íntima entre el cuerpo y el espacio. “No existe muro ni banqueta que no haya sido levantado por manos de trabajadores… los muros están vinculados con la vida, antes, durante y después de su construcción”, explican los creadores.

Funciones y boletos

El muro y la carne se presenta en el Museo del Chopo del viernes 16 al domingo 18 de mayo de 2025, a las 19:00 horas.
Entrada general: $150 pesos
Descuento para estudiantes, docentes UNAM e INAPAM: $75 pesos

Sobre los creadores

Nadia Lartigue (Ciudad de México, 1980) es coreógrafa, bailarina y docente. Su trabajo explora las posibilidades políticas de la coreografía, con colaboraciones que incluyen a La Liga Tensa, Vecinos del Ritmo y artistas como Xavier Le Roy y Abraham Cruzvillegas. Entre sus piezas más recientes se encuentran Ay, olor (2021) y Canciones para personas que también son espacios (2020), creadas junto con Maldonado.

Juan Francisco Maldonado (Ciudad de México, 1985) trabaja en la intersección entre cuerpo, coreografía, teoría y cultura pop. También es parte de La Liga Tensa y ha desarrollado proyectos escénicos como Las ratas doradas (2024) y La manada de oro (2023). Ha colaborado en guiones cinematográficos con Nicolás Pereda y en propuestas escénicas que abordan temas como la protesta y la disidencia.

Teatro para bebés en CDMX: funciones gratuitas que despiertan la imaginación desde los primeros años

El Ciclo de Teatro para la Primera Infancia continúa en el Centro Cultural Helénico con obras sensoriales y participativas para niñas y niños de 0 a 6 años.

Una tarde luminosa, un jardín que cobra vida y dos personajes —OH y JA— que, sin necesidad de palabras, invitan a los más pequeños a explorar el mundo a través del juego. Así fue el inicio del Ciclo de Teatro para la Primera Infancia, una propuesta gratuita organizada por la Secretaría de Cultura, a través del programa Alas y Raíces y el Centro Cultural Helénico, especialmente pensada para bebés, niñas y niños en edad preescolar.

La primera obra en presentarse fue Un jardín, de la compañía Una canasta de limones, bajo la dirección de Mauricio Arizona. El montaje está diseñado para infancias de 0 a 2 años y se presenta en un espacio íntimo, donde el público —acompañado de mamás, papás y cuidadores— se sienta en el piso para vivir una experiencia sensorial, cercana y poética.

Entre flores flotantes, luces suaves y música envolvente, las y los bebés exploran texturas, movimientos y sonidos que despiertan sus sentidos. La propuesta escénica evita los estímulos estridentes para centrarse en lo esencial: el asombro, el reconocimiento del otro y el inicio del juego compartido. “No se trata de entender, sino de sentir”, explicó Arizona al dar la bienvenida al público.

Además de conectar a los más pequeños con el arte, Un jardín promueve momentos de conexión emocional entre infancias y personas adultas, generando vínculos a través del teatro.

Próximas funciones: “A volar”, teatro para niñas y niños de 3 a 6 años

El ciclo continúa el sábado 17 y domingo 18 de mayo a las 13:00 horas con A volar, un unipersonal escénico creado por José Palacios (Grupo Ecléctico Teatro), dirigido a niñas y niños de 3 a 6 años. Esta propuesta también invita a la participación activa del público infantil en un ambiente lúdico y seguro.

La entrada es gratuita, pero el cupo es limitado, por lo que se recomienda llegar con anticipación al Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico (Av. Revolución 1500, colonia Guadalupe Inn, alcaldía Álvaro Obregón).

Cultura desde la cuna

El Ciclo de Teatro para la Primera Infancia es una muestra del compromiso de Alas y Raíces por crear espacios accesibles y sensibles para la niñez. Aquí, el arte no es un lujo, sino una herramienta para el desarrollo, el juego y la convivencia desde los primeros años de vida.

Consulta toda la cartelera cultural infantil en las redes de Alas y Raíces y del Centro Cultural Helénico:
📱 Facebook: Alas y Raíces MX / Centro_Cultural_Helénico
📱 Instagram y YouTube: @alasyraicescultura / @centro_cultural_helenico
📱 X (antes Twitter): @AlasyRaices / @Helenico

El circo toma Chapultepec: talleres, magia aérea y nuevas generaciones de artistas

El Pabellón de Cultura Comunitaria en Chapultepec se llenó de emoción, acrobacias y malabares durante el Segundo Encuentro Autogestivo de Circo. Durante todo un día, niñas, niños, jóvenes y personas adultas exploraron el arte circense a través de talleres gratuitos y una función espectacular que cerró con broche de oro esta jornada dedicada al movimiento, la expresión y el asombro.

Desde el mediodía del viernes 9 de mayo, el espacio vibró con ocho talleres dirigidos por artistas de Morfosis A.C. Arte Circense y el Semillero Creativo de Circo Chapultepec, un programa de la Secretaría de Cultura enfocado en la formación artística de infancias y juventudes. La oferta incluyó disciplinas como flexibilidad de movimiento, antipodismo (malabares con los pies), acrodanza, pantomima, acondicionamiento escénico, acroportes, danza aérea y aro aéreo.

“Queremos que las niñas y niños se acerquen a este mundo, que descubran lo que es la disciplina del circo y se enamoren de ella”, compartió Ximena Labra, tallerista del Semillero Creativo y una de las responsables de guiar a los nuevos talentos durante la jornada.

Una función para aplaudir de pie

El evento culminó con una función en la que participaron tanto artistas profesionales como estudiantes del semillero. La emoción se sintió desde el inicio, cuando Julia Sofi, Azul y Fátima, tres jóvenes acróbatas, tomaron los aires con un acto de danza aérea que combinó fuerza, gracia y coordinación.

El espectáculo fue conducido por el mimo Tudo Sánchez y el artista clown Rorro, quienes acompañaron al público a lo largo de un programa repleto de talento: desde el impresionante antipodismo de Ernesto Ponce, que controló pelotas, cilindros e incluso estructuras metálicas con los pies, hasta la destreza de Joaquín Mejía en el malabarismo y el arte aéreo de la misma Ximena Labra.

Uno de los momentos más memorables fue el acto de equilibrio del joven Andrés, quien mantuvo al público en suspenso al sostenerse sobre cinco patinetas apiladas sobre un cilindro. Luego vino el show de Malabalfredo con pinos, y finalmente, dos números que arrancaron ovaciones: la suspensión capilar de Heidi y el acto de trapecio de Daniela, cargados de dramatismo, técnica y vuelo.

¿Te gustaría aprender circo?

El Semillero Creativo de Circo Chapultepec mantiene inscripciones abiertas todo el año. Sus actividades se desarrollan en el Pabellón de Cultura Comunitaria, con clases de miércoles a viernes de 14:00 a 18:00 h y los fines de semana de 10:00 a 14:00 h. Además de circo, el programa incluye otras disciplinas artísticas. Algunos talleres requieren experiencia previa, por lo que se recomienda solicitar informes al correo: semillerocircocdmx@gmail.com.

Este encuentro es parte de una red nacional de Semilleros Creativos que buscan fomentar la creación artística comunitaria desde las infancias. Si te interesa conocer más, puedes visitar:
👉 culturacomunitaria.cultura.gob.mx

Anatomía de un suicidio: el poderoso retrato de tres generaciones de mujeres llega por primera vez a México

Con Fernanda Castillo en el elenco, esta aclamada obra de Alice Birch explora el dolor, la maternidad y la herencia emocional en funciones en el Teatro Helénico del 16 de mayo al 22 de junio de 2025

¿Podemos liberarnos del peso de nuestra historia familiar? ¿Hasta qué punto heredamos el dolor, la fragilidad o incluso los silencios de quienes vinieron antes? Estas son algunas de las preguntas que plantea Anatomía de un suicidio, una de las obras más impactantes de la dramaturga británica Alice Birch, que llega por primera vez a los escenarios mexicanos.

Con un elenco encabezado por Fernanda Castillo, Paula Watson y Diana Sedano, y bajo la dirección de Cristian Magaloni, esta puesta en escena entrelaza tres historias de mujeres —madre, hija y nieta— que viven en distintas épocas, pero cuyas vidas se desarrollan de manera simultánea sobre el escenario. La obra estará en cartelera del 16 de mayo al 22 de junio de 2025 en el Teatro Helénico, con funciones de viernes a domingo.

Una narrativa fragmentaria sobre el dolor que atraviesa generaciones

Lejos de la narrativa tradicional, Anatomía de un suicidio propone una experiencia escénica única: un “collage teatral” donde los diálogos se superponen, los tiempos se funden y las emociones laten al unísono. La pregunta que se repite como un eco a lo largo de la obra —“¿Eres feliz?”— se convierte en el hilo conductor de una historia donde la maternidad, la enfermedad mental y el deseo de libertad se enfrentan en carne viva.

La traducción al español es de Paula Zelaya Cervantes, quien logra mantener la densidad emocional y la estructura desafiante del texto original. En palabras del director Magaloni, se trata de “un texto conmovedor que nos confronta con los legados emocionales que heredamos y repetimos, incluso sin darnos cuenta”.

Actuaciones de primer nivel y una experiencia teatral sensorial

Además de sus protagonistas, el elenco incluye a Amanda Farah, Montserrat Ángeles Peralta, Antón Araiza, Hamlet Ramírez, Santiago Zenteno y Lucia Ribeiro, quienes dan vida a un universo íntimo y caótico donde las palabras y los gestos trascienden el tiempo.

La propuesta escénica cuenta con un sólido equipo creativo: Anna Adriá en escenografía, Víctor Zapatero en iluminación, Giselle Sandiel en vestuario, Natalia Pérez-Turner en música original y Miguel Tercero en diseño sonoro. La producción está a cargo de Ana Kupfer, con Ángela Pastor y Mariana Calderón como productoras ejecutivas.

¿Dónde y cuándo verla?

Anatomía de un suicidio se presentará en el Teatro Helénico, ubicado en avenida Revolución 1500, los viernes y sábados a las 19:00 h, y los domingos a las 18:00 h. Las funciones se llevarán a cabo del 16 de mayo al 22 de junio de 2025.

Los boletos tienen un costo de $504 en planta baja y $360 en planta alta, y se pueden adquirir en las taquillas del teatro o en línea a través de helenico.gob.mx y mexicoescultura.com.

Este montaje se realiza con el apoyo de ASUR (Aeropuertos del Sureste) y del Estímulo Fiscal Efiartes, y está dirigido a adolescentes y adultos que busquen una experiencia escénica profunda, honesta y provocadora.

Atravesando la Escena: La 3ª Feria de Diseño Escénico de la ENAT, una ventana al proceso creativo de los estudiantes de escenografía

Del 8 al 11 de mayo, la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) abrirá sus puertas para presentar la 3ª Feria de Diseño Escénico, una iniciativa organizada por los estudiantes del cuarto semestre de la Licenciatura en Escenografía. Esta muestra, titulada Atravesando la Escena, es una oportunidad única para explorar de cerca el trabajo, las ideas y los procesos creativos de las nuevas generaciones de diseñadores escénicos.

Un espacio de creatividad y aprendizaje sobre el diseño escénico

Dirigida a estudiantes, profesionales y cualquier persona interesada en el mundo del diseño escénico y las artes, esta feria será un punto de encuentro para los aspirantes a la licenciatura y para aquellos que desean adentrarse en los procesos que dan forma a la magia de los escenarios. Las actividades, que incluyen talleres, conferencias, exposiciones y experiencias interactivas, se llevarán a cabo en varios espacios dentro de la ENAT, con entrada libre para el público.

Exposiciones que abren el telón de la historia y el proceso creativo

El evento arrancará el 8 de mayo a las 16:00 horas con la inauguración de cinco exposiciones, que prometen ser un recorrido fascinante por las distintas facetas del diseño escénico. Cada una de ellas se sumerge en aspectos clave de la escenografía, el vestuario y la iluminación, entre otros elementos esenciales en la creación de un espectáculo.

  1. De la sombra al protagonismo – Cronología de mujeres en el diseño
    En colaboración con el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Teatral Rodolfo Usigli (CITRU), esta muestra recupera la historia de las mujeres diseñadoras escénicas, desde los años 50 hasta la primera década del siglo XXI.
  2. Siluetas en construcción – El vestuario como lenguaje
    Una invitación a entender cómo el vestuario puede materializar la esencia de un personaje, explorando las distintas etapas del proceso de diseño.
  3. La iluminación a través de los tiempos
    Un fascinante recorrido histórico sobre la evolución de la iluminación en el teatro, desde las fuentes naturales hasta las tecnologías más modernas.
  4. Terraform y fundación
    Esta exposición invita al público a cruzar el umbral de la imaginación, donde los estudiantes de Escenografía presentan sus procesos creativos y exploran nuevos universos escénicos por descubrir.
  5. Diseño escénico expandido
    Un vistazo a los procesos de trabajo de los estudiantes de escenografía a través de registros fotográficos que muestran su camino hacia la creación de mundos escénicos únicos.

Conferencias y talleres con expertos en diseño escénico

La feria no solo se limitará a exposiciones, sino que también ofrecerá una serie de conferencias y talleres con expertos del mundo del diseño escénico, como Betsy Larios, Dianhé Marín, María Olguín, Alberto Reyna, Mar Serna, Ana Luisa Gama, Amaya Segurajáuregui, Raúl Farias y Idiotas Teatro. Estos profesionales compartirán sus experiencias y conocimientos sobre los procesos creativos que dan forma a la escenografía.

¿Cómo asistir a la feria?

Para asistir a las actividades y talleres de la 3ª Feria de Diseño Escénico de la ENAT, los interesados pueden registrarse a través de un enlace específico o escribir al correo enat.feriadedisenoescenico@inba.edu.mx. Esta es una excelente oportunidad para adentrarse en el fascinante mundo del diseño escénico y conocer el proceso creativo de los futuros artistas de las artes escénicas en México.

No te pierdas esta experiencia única de Atravesando la Escena, un evento que promete inspirar y enriquecer la visión del diseño escénico en todos sus aspectos.

Bucarofagia (inventario): alucinaciones barrocas, búcaros de Tonalá y fantasmas coloniales en El Aleph 2025

¿Qué relación puede haber entre un jarrito de barro rojo, el cuadro Las Meninas de Velázquez y una experiencia escénica alucinante? Esa es la pregunta que plantea Bucarofagia (inventario), la más reciente propuesta de la compañía Teatro Ojo, que llega al Foro del Centro Universitario de Teatro (CUT) del 16 al 18 de mayo como parte de la programación de El Aleph. Festival de Arte y Ciencia 2025, bajo el eje temático “REDES”.

Inspirada en la extraña y fascinante práctica del siglo XVII conocida como bucarofagia —el consumo de búcaros por sus supuestas propiedades medicinales, cosméticas y hasta alucinógenas—, esta pieza mezcla arte, historia, cuerpo y sonido para abrir portales entre el México prehispánico y la corte española barroca.

Un jarro que invoca memorias coloniales

La puesta en escena parte de un detalle apenas perceptible en el cuadro Las Meninas: una menina ofrece a la infanta Margarita un pequeño jarro de barro. Teatro Ojo se pregunta: ¿qué pasaría si, en lugar de observarlo, la niña lo devorara? A partir de ese gesto especulativo nace un inventario de sonidos, movimientos, objetos, memorias e imaginarios coloniales que cruzan los océanos y las épocas.

Teatro expandido para un público activo

La obra no se presenta como una función convencional, sino como una experiencia inmersiva en la que el público puede recorrer el escenario libremente, tomar asiento donde lo desee y convertirse en parte de un entramado escénico que incluye barro, espejos, música en ocho canales, voces infantiles, periódicos, máscaras y más de 300 búcaros fabricados por alfareros de Tonalá, Jalisco.

Con dirección de Héctor Bourges, dramaturgia de Bourges y Patricio Villarreal, diseño sonoro de Juan Ernesto Díaz y la participación de artesanas bruñidoras, esta creación colectiva convoca a artistas, objetos y relatos que normalmente no tienen lugar en los espacios teatrales tradicionales.

Funciones y acceso

Bucarofagia (inventario) se presentará con entrada gratuita (previo registro) en las siguientes fechas y horarios:

  • Viernes 16 de mayo: 18:00 y 20:00 h
  • Sábado 17 de mayo: 12:00 y 19:00 h
  • Domingo 18 de mayo: 12:00 y 18:00 h

Lugar: Foro del Centro Universitario de Teatro (CUT), Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria, CDMX.
Recomendada para mayores de 15 años. Duración aproximada: 1 hora.

Una propuesta que cruza disciplinas y fronteras

Bucarofagia (inventario) es una coproducción entre Teatro Ojo, la Coordinación Nacional de Teatro del INBAL, la Secretaría de Cultura de Jalisco y el programa México en Escena del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales. En conjunto, estas instituciones apuestan por una escena que desafía los límites del teatro, el archivo histórico y la percepción sensorial.

Más información y registro en:
👉 www.teatrounam.com.mx
👉 festivalelaleph.com
Sigue también a @TeatroUNAM y @festivalelaleph en redes sociales.

Teatro indígena en la Ciudad de México: “Nacahue: Ramón y Hortensia”, una versión de Romeo y Julieta hablada en español y náayeri

Una de las propuestas más conmovedoras de la temporada llega al Teatro Orientación Luisa Josefina Hernández: Nacahue: Ramón y Hortensia, una adaptación libre de Romeo y Julieta que traslada el clásico de Shakespeare a un contexto indígena contemporáneo, donde el amor y el lenguaje se entrelazan más allá de las palabras.

Dirigida y escrita por Juan Carrillo, esta puesta en escena de Los Colochos Teatro se presenta del 2 al 11 de mayo en el Centro Cultural del Bosque. Las funciones serán los jueves y viernes a las 20:00 h, sábados a las 19:00 h y domingos a las 18:00 h.

La obra está hablada en español y en náayeri (cora), y propone una experiencia escénica centrada en lo sensorial: el movimiento corporal, la energía de los actores y la fuerza de una lengua originaria que se convierte en protagonista. Más que entender con la razón, se trata de sentir con el corazón.

Un amor que rompe fronteras culturales

En Nacahue: Ramón y Hortensia, los protagonistas no comparten idioma ni costumbres, pero su encuentro —a la orilla de un río que divide a sus pueblos— desencadena un vínculo más profundo que las palabras. Ramón es cora y participa activamente en los rituales de Semana Santa; Hortensia es wixárica y escapa de su comunidad para salvar su vida. En medio del miedo, el prejuicio y la incomprensión cultural, ambos encuentran un espacio común: el amor.

A diferencia del clásico shakespeariano, donde las familias son enemigas, esta versión plantea un conflicto entre culturas que se enfrentan por miedo a lo desconocido. “El miedo los vuelve agresivos”, dice Juan Carrillo, quien propone una lectura actualizada sobre la violencia, el racismo y la falta de diálogo intercultural.

Teatro con identidad: lenguas originarias y estética contemporánea

Esta producción nacional de Artes Visuales, realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR, destaca también por su propuesta escenográfica y sonora. Auda Caraza está a cargo del dispositivo escénico; Tania Rodríguez firma la iluminación; Libertad Mardel, el vestuario, y Jorge Valdivia, el diseño sonoro. La traducción al náayeri fue realizada por Edisa Altamirano Domínguez.

Con las actuaciones de Mario Eduardo D’León, Sonia Couoh, Marco Vidal, Erandeni Durán, Yadira Pérez y Ulises Martínez, Nacahue: Ramón y Hortensia invita al público a descubrir la riqueza del teatro indígena contemporáneo y a escuchar una lengua que, lejos de ser ajena, nos habla desde lo más íntimo: la necesidad humana de amar y ser comprendido.

Reflexionar la violencia desde el teatro: mesas redondas en el Museo de la Revolución con entrada libre

Los días 13 y 14 de mayo, el Museo de la Revolución será sede de Políticas de la teatralidad: afectos, poéticas y lógicas de las violencias, un ciclo de mesas redondas que explora cómo el cuerpo y la escena pueden denunciar las múltiples violencias del presente. La entrada es gratuita y abierta a todo público.

Organizado por el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información Teatral Rodolfo Usigli (CITRU) del INBAL, este encuentro reunirá a especialistas de distintas universidades —como la UNAM, la UAM, la Universidad Iberoamericana y la Universidad Veracruzana— para pensar en colectivo los vínculos entre teatro, afectos y políticas de representación.

Durante dos jornadas, de 11 a 14 h, se abordarán temas como la migración, la precariedad y la violencia sistemática desde una perspectiva crítica y sensible. ¿Cómo enuncian los cuerpos las heridas que impone el capitalismo? ¿Qué papel juegan los afectos en la denuncia? ¿Puede el teatro desmontar las lógicas que normalizan la violencia?

La primera mesa, centrada en la línea de investigación Cuerpos, fronteras y violencia del CITRU, propone ver el cuerpo como territorio político: como artificio, como archivo, como frontera simbólica donde se disputan identidades, memorias y afectos. Desde ahí, se reflexionará sobre la teatralidad como espacio de resistencia frente a la deshumanización.

La segunda mesa abordará los escritos desde la reclusión, la feminización de la migración y los cuerpos vulnerados. Se analizará cómo el acto performático puede subvertir narrativas impuestas y abrir grietas en la lógica del espectáculo. ¿Puede la escena, al exhibir lo frágil, generar nuevas formas de pensamiento político?

Entre las y los participantes se encuentran Rocío Galicia, Leticia Rodríguez, Daiane Dordete, Sayuri Navarro, Amarela Varela Huerta, José Luis Loza, entre otros especialistas cuyas investigaciones entrecruzan arte, teoría crítica y prácticas sociales.

Una cita imperdible para quienes ven en el teatro un espacio de pensamiento y transformación social.
Más información: citru.difusion@inba.gob.mx