La obra Xhunca, una producción de Salina Artes con dramaturgia y dirección de Karen Daneida, se presentará del 10 de octubre al 3 de noviembre en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque. Este montaje, que fusiona teatro, música en vivo y cabaret, nos invita a reflexionar sobre la importancia de la historia, la memoria y las culturas originarias, especialmente las del Istmo de Tehuantepec en Oaxaca.

Una historia de migración, recuerdos y raíces

Xhunca cuenta la historia de una joven mujer que, al dejar su natal Salina Cruz, Oaxaca, en busca de mejores oportunidades en la Ciudad de México, comienza a redescubrir su identidad zapoteca. A través de anécdotas y canciones, revive momentos clave de su vida, en especial aquellos ligados a su abuela, lo que la lleva a reconectar con sus raíces que creía perdidas.

La obra no solo se enfoca en la migración, sino también en la nostalgia por las costumbres, tradiciones y lenguas originarias, resaltando la importancia de mantener viva la cultura zapoteca. En un escenario cargado de simbolismo, el público será testigo de la representación de personajes tradicionales del Istmo, y vivirá de cerca la rica cultura binnizá, plasmada en vestimentas, artesanías y objetos que recrean las festividades y la vida cotidiana de esta región.

Fusión de teatro, música y cabaret

Bajo la dirección de Karen Daneida, el montaje combina el biodrama con música en vivo, interpretada por Cozobi Pérez Salinas, Gaby Percs/Katheryne Cruz y Ricardo Juárez. Los arreglos musicales, a cargo de Cozobi Pérez Salinas, y el diseño de iluminación de Edgar Mora, crean una atmósfera íntima que acompaña la profunda reflexión sobre el legado de las ancestras y el valor del amor identitario.

Presentaciones en el CCB y en el Festival Internacional Cervantino

Con funciones de jueves a domingo, Xhunca también formará parte del prestigioso Festival Internacional Cervantino, donde se presentará el 23 de octubre en el Teatro Cervantes de Guanajuato. El elenco, encabezado por Karen Daneida y José Antonio Becerril, lleva al escenario una representación viva y emocionante de la conexión entre el pasado y el presente, entre la identidad y la memoria.

Esta obra es más que una puesta en escena; es un llamado a preservar las lenguas y tradiciones de los pueblos originarios, a través de una experiencia artística que conmueve y educa.

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A partir de las 19:00 h del 9 de octubre, el Museo Nacional de la Estampa (Munae) presenta la exposición virtual “Postales por Ayotzinapa”, un potente gesto de solidaridad artística internacional que reúne más de 250 obras de 90 creadores de todo el mundo. La muestra estará disponible a través de Flickr del Munae, permitiendo que cualquier persona, desde cualquier lugar, pueda explorar estas impactantes piezas creadas en memoria de los 43 estudiantes desaparecidos de Ayotzinapa.

Un homenaje artístico global

Esta exposición es parte de las actividades que conmemoran el 10° aniversario de la desaparición de los estudiantes de la Escuela Normal Rural Raúl Isidro Burgos, un caso que sigue resonando en la conciencia social. Con obras provenientes de países como Rusia, Bélgica, Alemania, Italia, España, Estados Unidos y varios rincones de Latinoamérica, “Postales por Ayotzinapa” destaca la voz de artistas y no artistas que, a través del arte postal, han plasmado su indignación y apoyo a las familias de los normalistas.

Edén Bastida, coordinador de la iniciativa junto a Raquel Masci, Cristina Híjar y Hugo Vidal, explica que esta exposición es un “gesto internacionalista en solidaridad con los padres y familiares”, y además busca derribar las barreras tradicionales sobre quiénes pueden ser considerados artistas. La convocatoria para participar en este proyecto fue abierta en Argentina y permitió una amplia variedad de técnicas y estilos, con un único requisito: que las obras fueran en formato postal de 10×15 cm, un homenaje a la tradición del arte postal, que históricamente ha sido una herramienta de denuncia durante momentos críticos como las dictaduras en Sudamérica.

La fuerza del arte postal

El arte postal ha sido un medio de comunicación crucial en momentos de censura y represión, y en esta ocasión, se convierte nuevamente en una plataforma para alzar la voz por la justicia. Tres artistas argentinos, en particular, enviaron 43 postales cada uno en homenaje a cada uno de los estudiantes desaparecidos, utilizando diferentes técnicas, desde rostros creados en máquina de escribir hasta la reproducción de sus nombres.

Una exposición accesible para todos

Gracias a la colaboración con el Munae, esta muestra ahora se abre al mundo en formato digital, lo que permitirá no solo disfrutar del arte, sino también abrir nuevos diálogos sobre Ayotzinapa. Esta exposición ha recorrido espacios en Argentina y España, y ahora busca llegar a públicos globales a través de su formato virtual. Más que una simple muestra de arte, “Postales por Ayotzinapa” invita a reflexionar y conectar con uno de los eventos más impactantes en la historia reciente de México.

Visita la exposición virtual aquí y únete a esta conversación global a través del arte.

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El Coro de Madrigalistas de Bellas Artes cierra su temporada con un destacado evento: la interpretación de la Misa de Réquiem del compositor francés André Campra, acompañados por el ensamble Antiqva Metropoli. Este emotivo concierto se presentará el viernes 11 de octubre a las 18:00 h en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, y el domingo 13 de octubre a las 11:30 h en el Museo Nacional de Arte (Munal).

La obra maestra de Campra y su historia

Escrita en 1695 durante su tiempo como maestro de música en la Catedral de Notre-Dame de París, la Misa de Réquiem de André Campra es una de las primeras versiones francesas de las misas de difuntos. Fue encargada en memoria del fallecido arzobispo de París y rápidamente se convirtió en una pieza central de los servicios conmemorativos y funerales en Francia. La obra está dividida en siete movimientos, cada uno representando distintos momentos de la liturgia, como el Introit, el Kyrie, y el Agnus Dei, evocando un sentido de solemnidad y belleza espiritual.

Un vistazo a la vida de André Campra

Nacido en 1660 en Francia de padre italiano, Campra se formó como músico desde temprana edad. Su carrera lo llevó a ocupar importantes posiciones en lugares como la Catedral de Notre-Dame y, más tarde, en la Academia Real de Música, donde dirigió óperas y obras religiosas. A lo largo de su vida, compuso más de 30 óperas y diversas obras sacras, siendo una de las figuras más influyentes de la música barroca francesa. Murió en 1744 en Versalles, dejando un legado que sigue resonando en los escenarios del mundo.

Antiqva Metropoli: preservando la tradición barroca

El ensamble Antiqva Metropoli, fundado en 2008, se especializa en la interpretación de música barroca y virreinal con un enfoque “históricamente informado”. Esto significa que utilizan réplicas de instrumentos antiguos y siguen prácticas interpretativas que respetan el estilo de la época. Este grupo de músicos, con formación en México y el extranjero, se ha comprometido a difundir este repertorio en México y ha ganado reconocimiento por su dedicación a la autenticidad y su pasión por la música antigua.

Dos presentaciones imperdibles

• Viernes 11 de octubre, 18:00 h: Anfiteatro Simón Bolívar del Antiguo Colegio de San Ildefonso. Boletos: $50, con descuentos disponibles.
• Domingo 13 de octubre, 11:30 h: Salón de Recepciones del Museo Nacional de Arte (Munal). Entrada libre, cupo limitado a 80 personas.

No te pierdas la oportunidad de disfrutar de este viaje musical al Barroco, en dos escenarios históricos de la Ciudad de México. Para más información, sigue las redes sociales de la Coordinación Nacional de Música y Ópera.

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El tatuaje ha trascendido de ser una simple expresión corporal a convertirse en una forma de arte reconocida. La exposición virtual Del papel a la piel. Tatuaje y grabado, disponible en el Flickr del Museo Nacional de la Estampa (Munae), nos invita a explorar el fascinante vínculo entre el grabado y el tatuaje, dos prácticas artísticas con siglos de historia. Curada por Pamela Xochiquetzal Ruiz Gutiérrez, esta muestra destaca cómo los tatuajes han evolucionado como una forma artística que aún busca su merecido lugar en el ámbito de las artes visuales.

Un viaje a través de tres núcleos temáticos

Dividida en tres núcleos principales, la exposición abarca desde la identidad cultural y artística que reflejan los tatuajes, hasta la técnica y originalidad detrás de cada obra.

1. Cuestión de identidad
El primer núcleo nos transporta a los orígenes del grabado con referencias a figuras icónicas de la cultura mexicana, como las famosas calaveras de José Guadalupe Posada. Estas imágenes se han vuelto universales, reconocibles al instante, y en esta muestra se ven plasmadas en la piel. Por ejemplo, una joven luce en sus piernas los tatuajes de dos calaveras bailando, inspiradas en la obra Jarabe de ultratumba de Posada, adaptadas por Enrique Dubost.

Otro homenaje visual es el que se rinde a la Calavera catrina, la cual aparece en tatuajes sobre hombros y espaldas, mostrando la duradera influencia de Posada en el arte contemporáneo. También destaca la interpretación de Francisco I. Madero como una calavera, obra de Eduardo “El cuervo” Licea, que lo muestra celebrando su paso al más allá.

2. Reproductibilidad y originalidad en el tatuaje y el grabado
El segundo núcleo se enfoca en la creatividad de los artistas al fusionar técnicas tradicionales con temas más originales. Aquí encontramos, por ejemplo, una calavera-sirena cuya piel está cubierta por escamas de serpiente de cascabel, una obra impresionante de José Eduardo Serrano Limón, basada en el linograbado La Tlanchana.

También hay espacio para homenajes más contemporáneos, como el tatuaje de Azucena Zúñiga que celebra el icónico álbum In Utero de Nirvana, destacando cómo el tatuaje puede conectar con la cultura popular y los íconos del rock.

3. Las técnicas convertidas en estilo
El tercer núcleo es un verdadero escaparate de originalidad. Aquí, los artistas exploran sus propios estilos creativos, creando demonios, dragones, sirenas y figuras literarias con una maestría técnica impresionante. Entre las técnicas mostradas, destaca el handpoke, una forma manual de tatuaje que recuerda la precisión del grabado, así como la escarificación, considerada la forma más pura de “grabar” en la piel.

El tatuaje como construcción de identidad

A lo largo de la exposición, se refleja cómo el tatuaje, al igual que el grabado, es una práctica cultural milenaria que ha ido transformándose a lo largo del tiempo. En la actualidad, los diseños prehispánicos en los tatuajes han ganado gran popularidad, no solo por su belleza, sino por su conexión con la historia y la identidad mexicana.

Esta muestra en el Flickr del Munae es una oportunidad única para explorar la intersección de dos disciplinas artísticas que celebran la identidad y la creatividad humana, invitando tanto a conocedores del arte como a quienes desean descubrir más sobre el impacto cultural del tatuaje.

Explora la muestra en línea

Si te interesa ver más de esta exposición, visita el Flickr del Munae, donde podrás disfrutar de las imágenes y los textos que acompañan a cada obra, y adentrarte en el mundo del tatuaje y el grabado.

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Este 11 de octubre, el majestuoso Palacio de Bellas Artes será el escenario para la inauguración del 46 Foro Internacional de Música Nueva “Manuel Enríquez” (Fimnme), donde la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), bajo la dirección de Ludwig Carrasco, ofrecerá un concierto lleno de creatividad y talento mexicano. El programa incluye obras contemporáneas que van desde sinfonías inspiradas en la ciencia ficción hasta piezas que evocan la fuerza emocional de la poesía.

El concierto comenzará con Solar Mass, de José Luis Hurtado, una composición vibrante y ganadora del Segundo Concurso de Composición Orquestal Morelia Ciudad Creativa de la Música 2023. Hurtado describe esta pieza como “caleidoscopios de sonidos, siempre cambiantes y llenos de energía”.

A continuación, la OSN interpretará On an Invisible Wave, de Juan Pablo Medina, inspirada en la novela de ciencia ficción Dune de Frank Herbert. Con movimientos que evocan las dunas y los gigantescos gusanos de arena del desierto de Arrakis, esta obra promete transportar al público a un paisaje sonoro dinámico y envolvente.

El programa también incluirá la obra Estar ciego, como lo está la noche blanca del joven compositor David Téllez, quien se basó en la novela Ensayo sobre la ceguera de José Saramago para construir una pieza que refleja las texturas y atmósferas del aislamiento y la incertidumbre.

Estrella Cabildo presentará Perenne mar, una obra inspirada en el poema Dolor de la poeta Alfonsina Storni. La compositora explora las emociones internas a través de metáforas marinas, creando una experiencia musical introspectiva y conmovedora.

El cierre del concierto estará a cargo de De las tinieblas la luz, de la compositora Georgina Derbez, una pieza intensa y dramática que, según el crítico Juan Arturo Brennan, “conduce a un final potente y energético”. Esta obra, encargada por la Orquesta Sinfónica del Estado de México, llevará al público a un viaje sonoro que transita de la oscuridad hacia la luz.

Desde su creación en 1979, el Foro Internacional de Música Nueva ha sido un espacio clave para la difusión de la música contemporánea en México y el mundo. Este año no será la excepción, con un programa que destaca la innovación y la riqueza del talento mexicano.

¿Cómo asistir?

Los boletos para este concierto inaugural tienen un costo accesible de $60 a $160, y están disponibles en taquillas del Palacio de Bellas Artes y a través de Ticketmaster. ¡No te pierdas esta oportunidad de vivir la música de vanguardia en uno de los recintos más icónicos de México!

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El arte plumario en México es reconocido como uno de los más finos y exquisitos a nivel mundial, un legado que ha perdurado gracias a la dedicación de artesanos como Marcelino Eduardo Sánchez Rodríguez. Con más de 35 años de experiencia, este maestro del arte popular ha sido galardonado con múltiples premios, incluyendo el prestigioso Galardón Nacional en la IX Edición del Concurso Grandes Maestros del Patrimonio Artesanal de México. Además, se especializa en cera escamada y en la creación de miniaturas con materiales orgánicos como concha nácar y hueso de res, técnicas ancestrales que él mismo se ha empeñado en rescatar del olvido.

Un Artesano Dedicado a Revivir Técnicas en Extinción

Sánchez Rodríguez, un artesano empírico que aprendió de sus tías abuelas la técnica de la cera escamada, ha conservado alrededor de 500 moldes antiguos de barro, una verdadera joya histórica. Esta técnica, que data del México virreinal, consiste en crear pequeñas láminas de cera de abeja que decoran velas, simulando las escamas de un pez. Usadas en festividades religiosas, estas velas adornadas son símbolo de devoción y gratitud.

Sin embargo, su pasión lo llevó más allá, centrando su esfuerzo en el rescate del arte plumario, una técnica con más de 3 mil años de historia que alcanzó su apogeo en el siglo XV. “Los amantescatl, artesanos especializados en plumas, eran considerados casi de la realeza”, señala Sánchez Rodríguez, quien ha dedicado su vida a perfeccionar esta delicada y minuciosa labor. Fue a los 16 años, tras descubrir la réplica del Penacho de Moctezuma en el Museo Nacional de Antropología, cuando decidió seguir este camino.

El Proceso Creativo del Arte Plumario

El arte plumario es un proceso sumamente laborioso. Comienza con la recolección de plumas en aviarios, que luego son limpiadas, fumigadas y seleccionadas por tamaño y color. Marcelino es un firme defensor del respeto a la vida animal, utilizando plumas que obtiene de aves en aviarios o de mudas naturales, asegurando que ninguna ave sea sacrificada para su arte.

La limpieza y fumigación son esenciales para preservar las plumas, evitando que sean devoradas por polillas, como ha ocurrido con muchas piezas antiguas que no contaban con este tratamiento. “Las piezas se enmarcan al alto vacío, siguiendo una técnica antigua pero mucho más depurada”, explica Marcelino.

Cada obra es un testimonio del talento y paciencia de este artista, que con las tonalidades naturales de las plumas logra crear luces y sombras sin necesidad de retoques. Es por este perfeccionismo que el arte plumario mexicano es considerado el más fino y mejor logrado en el mundo.

Reconocimiento y Trayectoria

A lo largo de su carrera, Marcelino Eduardo Sánchez Rodríguez ha participado en importantes concursos nacionales en disciplinas como la pintura, escultura y técnicas híbridas. Su dedicación a preservar y revivir técnicas como el enconchado, el trabajo en cera, el caña de maíz y el plumario le ha valido reconocimiento tanto de instituciones públicas como privadas, consolidándolo como uno de los grandes maestros del patrimonio artesanal de México.

Descubre más sobre el fascinante arte plumario mexicano y su historia milenaria, un tesoro que sigue brillando en manos de artesanos dedicados a mantener vivo este legado.

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