Archivos de la categoría Exposiciones

Pasa una tarde llena de arte y experiencias nuevas con la exposiciones que se presentan en la CDMX.

Arte y Cultura, Exposiciones

Ángela Gurría. Señales, redescubriendo a la mujer que definió la escultura mexicana en el Museo Palacio de Bellas Artes

¿Te suena el nombre de Ángela Gurría? ¿No? No te preocupes, a mí tampoco me sonaba mucho. Y es que, a pesar de que Ángela Gurría desempeñó un papel fundamental en el desarrollo de la escultura moderna mexicana, el machismo permeó el mundo del arte, reforzando la idea de que la escultura era un terreno exclusivo para hombres. Este prejuicio llevó a Ángela a utilizar seudónimos masculinos para inscribirse en concursos de escultura. Aunque eventualmente su verdadero nombre salió a la luz, y logró posicionarse como una artista destacada, su figura sigue siendo poco reconocida, a pesar de que su obra está presente en múltiples espacios de la Ciudad de México y del país.   

Ángela Gurría fue una mujer profundamente conectada con la ecología y la espiritualidad, lo que la llevó a explorar temas relacionados con la muerte y el cuerpo femenino, así como con los paisajes y la naturaleza. Su arte buscaba siempre armonizar formas, colores y sensaciones con el entorno, creando obras únicas que capturaban la atención de quienes las contemplaban.   

A poco más de un año de su fallecimiento, y con el objetivo de redescubrir y revalorar el legado de una artista que marcó el arte mexicano, el Museo del Palacio de Bellas Artes presenta la exposición Ángela Gurría. Señales. Esta muestra retrospectiva se divide en cuatro grandes ejes curatoriales que abordan las temáticas centrales de su obra: Cuerpos, Paisajes, Umbrales y El Jardín Místico. A través de esculturas, bocetos, manuscritos, pinturas y fotografías, se reconstruye la visión de una creadora que rompió barreras y plasmó su esencia en cada obra.   

Más que una exposición, esta es una invitación a reconocer el impacto de Ángela Gurría en el arte contemporáneo. Y es que, aunque el nombre de Ángela Gurría no es muy conocido, al recorrer esta exposición podrás sentirte en un terreno conocido, pues lograrás identificar algunas obras de la escultura, o descubrirás que su descubrirás cómo su trabajo influyó en el estilo escultórico de México. Además, la muestra permite adentrarte en las relaciones que moldearon su arte, como su amistad con Mathias Goeritz y Juan O’Gorman.   

Ángela Gurría no solo abrió camino para que más mujeres se expresaran a través de la escultura; su obra es un testimonio de lucha y sensibilidad. Ángela Gurría. Señales nos recuerda que el arte puede ser un puente entre lo humano y lo trascendental, y es una oportunidad única para honrar y mantener vivo el legado de una artista imprescindible.

Prepara tu Visita
Vigencia: Hasta el 9 de febrero, 2025
Dirección: Avenida Juarez S/N, Centro Histórico, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $90 pesos. Domingos entrada libre.
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Página Web: museopalaciodebellasartes.inba.gob.mx
Instagram: instagram.com/mbellasartes
Facebook: facebook.com/museodelpalaciodebellasartes
Twitter: x.com/mbellasartes
TikTok: tiktok.com/@mbellasartes
YouTube: youtube.com/@museodelpalaciodebellasart9823

Arte y Cultura, Exposiciones

Alan Glass. Sorprendente hallazgo, un viaje surrealista en el Museo del Palacio de Bellas Artes

En 1888, John L. Loud inventó una pluma con un cartucho de tinta propio y una punta esférica diseñada originalmente para marcar mercancías. Sin embargo, su diseño resultó ser complejo de usar y no logró competir con las plumas tradicionales de la época. Cincuenta años después, en 1938, László Bíró, junto a su hermano György, patentó en Argentina un bolígrafo con una bola de acero en la punta, que permitía dispensar la tinta de manera uniforme y constante. Este invento tuvo un notable éxito, pero no fue sino hasta 1950, cuando Marcel Birch patentó una versión mejorada del bolígrafo de los Bíró, que el invento comenzó a ser reconocido globalmente y se consolidó como un instrumento esencial en la vida cotidiana; me refiero a la pluma o bolígrafo Bic, la que no sabe fallar.

Cuatro años más tarde, en 1954, un joven canadiense de 22 años tomó un bolígrafo Bic por primera vez, descubriendo una conexión especial entre el bolígrafo y el arte. Ese joven era Alan Glass, quien, por aquel entonces, se había mudado a París y trabajaba como portero en el legendario club Saint-Germain-des-Prés. Durante sus ratos libres en el club, aprovechaba para dibujar paisajes de cuevas, rocas, aves y sacerdotisas, mientras escuchaba música jazz que salía del club. Un bolígrafo Bic, aparentemente tan simple, fue la semilla que despertó su curiosidad por el arte, llevándolo a adentrarse en el movimiento surrealista parisino y a experimentar con un estilo propio y experimental.

Poco tiempo después, Glass se encontró con una calaverita de azúcar mexicana, típica de las ofrendas del Día de Muertos, y quedó fascinado por el surrealismo presente en la cultura mexicana. Fue así que, en 1961, decidió mudarse a la Ciudad de México, donde se inspiró en la rica herencia cultural del país para desarrollar un estilo único que fusionaba el surrealismo, el fluxismo, el collage y el ready-made. Sus obras reflejaban una visión personal e innovadora del arte, que lo distinguía en el panorama artístico de la época.

Aunque no nació en México, su profundo amor por el país, al igual que con artistas como Leonora Carrington, Remedios Varo y Mathias Goeritz terminó siendo “adoptado” como un artista mexicano. Y para conmemorar su legado y aprovechar el centenario del movimiento surrealista, el Museo del Palacio de Bellas Artes presenta la exposición Alan Glass. Sorprendente hallazgo, una muestra retrospectiva en la que los y las visitantes podrán conocer la evolución de la obra de este singular artista canadiense, cuya visión creativa sigue sorprendiendo al mundo.

La exposición se encuentra en las galerías del segundo piso del Palacio de Bellas Artes, rodeada de los impresionantes murales que decoran el recinto. Está dividida en varios ejes temáticos que nos permiten conocer más a fondo la vida y obra de Alan Glass. Inicia con los dibujos automatistas realizados con bolígrafos, los cuales presentó por primera vez en París en 1958, en su primera exposición individual. Luego, nos muestra algunas piezas de arte objeto creadas por Glass, invitándonos a adentrarnos en su estilo tan único. Continúa con Objetos de afinidad, una sección que explora su obra en el campo del arte objeto, destacando que fue uno de los principales creadores de objetos surrealistas desde 1960. Sigue con Un atlas de ensamblaje, donde se aborda la influencia de los mapas en la obra de Glass, así como los zurcidos invisibles que él proponía. La exposición culmina con El Jardín de las diosas, una colección de esculturas y pinturas en las que el artista intentó retratar lo invisible de una forma única.

Alan Glass. Sorprendente hallazgo es una exposición que atrapa a los y las visitantes desde los primeros dibujos y esculturas de arte objeto, gracias al estilo singular de Glass. Es un impresionante recorrido a través del imaginario de un artista que fusionó la estética surrealista con una visión profundamente personal, y cuya obra sigue siendo una fuente de asombro y reflexión en el panorama artístico contemporáneo. Así que, no dejes pasar más tiempo y date una vuelta por el Museo del Palacio de Bellas Artes para recorrer el mundo surrealista de Alan Glass, y una vez ahí, también vale la pena que te deleites con los impresionantes murales de Rivera, Siqueiros, Tamayo, Orozco y Montenegro.

Prepara tu Visita
Vigencia: Hasta el 23 de febrero, 2025
Dirección: Avenida Juarez S/N, Centro Histórico, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $90 pesos. Domingos entrada libre.
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Página Web: museopalaciodebellasartes.inba.gob.mx
Instagram: instagram.com/mbellasartes
Facebook: facebook.com/museodelpalaciodebellasartes
Twitter: x.com/mbellasartes
TikTok: tiktok.com/@mbellasartes
YouTube: youtube.com/@museodelpalaciodebellasart9823

Arte y Cultura, Exposiciones

Antenas al Vacío, arte desde el exhilio español de Fernando Sampietro en el Museo Universitario del Chopo

El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española, la Legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana, fuerzas aliadas de Franco, bombardearon Guernica y Luno en el País Vasco, España. El ataque aéreo causó la muerte de hasta dos mil personas[1]. Ese mismo año, el Gobierno de la Segunda República Española encargó a Pablo Picasso, a través de Max Aub, una obra sobre el bombardeo para exhibirla en la Exposición Internacional de 1937 en París. En respuesta, Picasso creó su icónico cuadro Guernica, considerado el más importante de su carrera. Tras la victoria de Franco, el 31 de enero de 1938, comenzó la persecución de republicanos españoles, lo que llevó a muchos al exilio en México.

En este contexto nació Fernando Sampietro, cuya identidad artística se gestó en el seno del exilio español en México, reflejando influencias culturales diversas. Sampietro comenzó a crear a finales de los años sesenta y principios de los setenta, en un momento de profundas transformaciones en el arte. Mientras Andy Warhol alcanzaba la cúspide de su carrera y la Escuela Mexicana de Pintura perdía protagonismo, mientraqs la generación de La Ruptura emergía con propuestas conceptuales. Inspirado por la historia y las realidades políticas de España y México, Sampietro desarrolló un estilo único, influenciado por el ready-made.

Sampietro inició su trayectoria reinterpretando obras clásicas como la Venus de Milo. Poco después, la influencia de Warhol lo llevó a recrear y transformar grandes piezas del arte universal, dándoles un giro personal. Entre sus primeras obras destacadas figura una variación de un bodegón de Picasso al que añadió una lata de sopa Campbell’s, en homenaje a Warhol. Esta obra se presentó en el Salón Nacional de Artes Plásticas del Palacio de Bellas Artes en 1977 y más tarde se convirtió en una postal con la leyenda “Homage to Marcel Duchamp”. Su exploración artística lo llevó a crear una impactante versión del Guernica inspirada en la masacre del 2 de octubre de 1968 en Tlatelolco.

Para conocer el legado de Fernando Sampietro, el Museo Universitario del Chopo presenta la exposición Antenas al Vacío, una muestra que recorre su producción artística desde los inicios hasta su muerte, por decisión propia, en 1984. Curada por Ana Sampietro y Cuauhtémoc Medina, la exposición comienza con el Guernica de Sampietro y sus “paisajes urbanos”, presentados por primera vez en una exhibición individual inaugurada el 2 de octubre de 1975 en el Centro Universitario Cultural. Estas pinturas, casi fotográficas, retratan las vistas cotidianas desde las azoteas de la Ciudad de México.

La exposición profundiza en el corazón conceptual de su obra: la recreación y resignificación de piezas clásicas. Destaca el Mural Vietnam, una reinterpretación de la famosa fotografía de Nick Ut (The Terror of War), hecha con un collage de recortes de periódico. También incluye series como 20 Variaciones sobre el tema La Cacerola Esmaltada, donde recreó con variaciones la pintura Jarra, vela y cacerola esmaltada de Picasso, incorporando diferentes elementos como una lata de sopa Campbell’s. El recorrido concluye con piezas abstractas que combinan influencias matemáticas, el expresionismo de Pollock y collages de artistas contemporáneos.

Antenas al Vacío es una ventana única al universo creativo de Fernando Sampietro, un artista que logró fusionar su herencia española, la cultura mexicana y el arte contemporáneo con un estilo inconfundible. La muestra invita a reflexionar sobre cómo el arte puede transformar las tragedias personales y colectivas en expresiones de trascendencia universal, convirtiendo la memoria histórica en un puente hacia nuevas interpretaciones.

Prepara tu Visita
Vigencia: Hasta el 24 de noviembre, 2024
Dirección: Dr. Enrique González Martínez #10-P. B, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $40 pesos
Horario: Miércoles a domingo de 11:30 a 18:00 hrs.
Página Web: chopo.unam.mx
Instagram: instagram.com/museodelchopo
Facebook: facebook.com/MuseodelChopo
Twitter: x.com/museodelchopo
YouTube: youtube.com/MuseodelChopo

[1] En los primeros años tras el ataque se hablaba de entre 102 y 300 víctimas mortales, pero Xabier Irujo, codirector del Center for Basque Studies de la Universidad de Nevada y autor de un reciente estudio sobre el tema, asegura que fueron alrededor de 200 víctimas.

Arte y Cultura, Exposiciones

Gran Fury, el arte no es suficiente en el Museo Universitario del Chopo

Es sorprendente que, aún en pleno 2024, el VIH y el sida sigan siendo temas rodeados de tabúes y desinformación. A pesar de los avances científicos, médicos y sociales en el tratamiento y manejo de la enfermedad, persisten mitos erróneos sobre el VIH, como la creencia de que es una enfermedad mortal, o que es altamente contagiosa. Lamentablemente, esta falta de conocimiento sigue alimentando el estigma y la discriminación hacia las personas seropositivas, quienes a menudo enfrentan prejuicios injustificados simplemente por portar el virus.

Lo más preocupante es que, aunque hoy en día tenemos acceso a información y recursos más claros, la ignorancia y el estigma persisten. Esto nos lleva a reflexionar sobre cómo fue la situación en décadas anteriores, especialmente a finales de los años 80 y principios de los 90, cuando el miedo, la desinformación y la falta de tratamientos adecuados creaban una atmósfera aún más hostil para las personas afectadas. En aquellos tiempos, el VIH y el sida estaban rodeados de desconocimiento y, en muchos casos, de temores infundados que resultaron en una profunda exclusión social.

Ante esta desinformación y discriminación, en 1987 se creó ACT UP (AIDS Coalition to Unleash Power) [Coalición del Sida para Desatar el Poder], un grupo político que buscó poner fin a la pandemia del sida mediante la acción directa, la investigación médica, la defensa de los derechos humanos y la legislación para mejorar la vida de las personas seropositivas. A raíz de las acciones de ACT UP nació Gran Fury, un colectivo de arte y diseño que se manifestó contra la negligencia y el silencio del gobierno de Ronald Reagan respecto al tratamiento del VIH. A través de carteles, periódicos, calcomanías, fotografías, comerciales de TV y espectaculares, el colectivo se dedicó a hablar sobre el VIH/sida, cuestionando la desinformación y las ideas erróneas difundidas por los medios de comunicación e instituciones religiosas, así como la falta de políticas públicas y la discriminación de las personas seropositivas.

Para recordar el trabajo de Gran Fury y de ACT UP, y buscando llevar a las y los mexicanos a reflexionar sobre el VIH/sida en la actualidad, el Museo Universitario del Chopo presenta Gran Fury, el arte no es suficiente. Esta exposición, proveniente del Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP), presenta 70 obras e intervenciones realizadas por el colectivo entre 1988 y 1995. Es una muestra del activismo artístico de finales del siglo XX, que influyó en el activismo contemporáneo y mantiene vigentes los cuestionamientos sobre el papel de las artes en la transformación social.

Con esta exposición, el Museo del Chopo abre un espacio de diálogo para reconocer el valor del activismo artístico en la lucha contra el estigma del VIH/sida, recordándonos que la información y la empatía son herramientas esenciales para derribar los prejuicios que persisten hasta hoy.

Prepara tu Visita
Vigencia: Hasta el 1 de diciembre, 2024
Dirección: Dr. Enrique González Martínez #10-P. B, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $40 pesos
Horario: Miércoles a domingo de 11:30 a 18:00 hrs.
Página Web: chopo.unam.mx
Instagram: instagram.com/museodelchopo
Facebook: facebook.com/MuseodelChopo
Twitter: x.com/museodelchopo
YouTube: youtube.com/MuseodelChopo

Arte y Cultura, Exposiciones

Frida Kahlo Sin Fronteras, un acercamiento a la vida de la artista en el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo

Nadie puede negar que, hoy en día, Frida Kahlo es una de las artistas más importantes en México, y también en el resto del mundo. Sus cuadros de inspiración surrealista la llevaron a posicionarse como una mujer única, cuyas obras lograron identificarse con millones de mujeres en el mundo, convirtiéndola en un referente de la cultura mexicana. Además de un estilo único en lo artístico, Frida Kahlo también pudo crear un personaje que le ayudó a convertirse en la leyenda que es hoy en día. Una mujer que, a pesar de su ascendencia europea, se convirtió en el estandarte de la mexicanidad al retomar, en su obra y vestimenta, elementos de los diferentes pueblos originarios de México. Además, se convirtió en un oxímoron al mostrarse como una mujer luchadora, libre e independiente, a pesar de sus infortunios, al mismo tiempo que se mostraba como una mujer abnegada que amaba con locura a su esposo, Diego Rivera.

Pero más allá de su arte y personaje, Frida Kahlo fue una mujer de carne y hueso, con todo tipo de matices y máscaras (al estilo junguiano) que usaba en los distintos círculos sociales en los que se movía. ¿Quién era en realidad Frida Kahlo? ¿En quién se convertía cuando dejaba el personaje y las máscaras a un lado?

Frida Kahlo Sin Fronteras es una exposición fotográfica en la que la fotógrafa Cristina Kahlo, sobrina nieta de Frida, busca responder a la pregunta ¿quién fue realmente Frida Kahlo? a través de una colección de fotografías inéditas en las que se puede apreciar la intimidad de la artista, su vida en familia y su historial médico. Un viaje muy humano a través de la vida de uno de los personajes más importantes del México del siglo XX.

La exposición del Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo inicia en la casa-estudio de Diego mostrando el entorno familiar de Frida Kahlo, explicando el origen y la influencia artística de Guillermo Kahlo, su padre; así como algunasf fotos de la artista junto a sus sobrinxs (Isolda y Antonio), así como su complicado romance con Diego Rivera. Inmediatamente después, nos lleva a conocer a algunos de los personajes dentro del círculo social de la artista, entre los que se encuentran Juan O’Gorman (arquitecto que diseñó el las casas de este terreno, y que vivía a solo unos pasos de ahí).

La exposición continúa en la casa de Frida, donde nos adentra en la forma en la que la salud se convirtió en un parteaguas en la vida de la pintora. Por un lado, la salud la llevó a vivir gran parte del tiempo entre hospitales, y por el otro, terminó forjando grandes relaciones con el Dr. Leo Eloesser. Es justo aquí, donde la muestra se tornó más interesante pues no solo nos muestra fotografías inéditas de Frida en el hospital, sino que también nos lleva a conocer más de ella a través de las cartas que escribió al Dr. Eloesser; cartas en las que se ve cuando cambió su rúbrica de Frieda a Frida “aceptando” su mexicanidad (Aunque se llamaba Frida en su acta de nacimiento, ella se hizo llamar Frieda hasta finales de los años 30 por el origen alemán de su papá).

Frida Kahlo Sin Fronteras es una exposición sencilla en la que podrás conocer los aspectos más personales de Frida Kahlo, con la intensión de que puedas conocerla más allá de su arte y del personaje. Así que, si eres fan de Frida Kahlo, o si simplemente te interesa el arte mexicano del siglo XX, vale mucho la pena que te des una vuelta por el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo (y Juan O’Gorman) y recorras la vida de Frida en la exposición Frida Kahlo Sin Fronteras; además, una vez ahí, podrás conocer las tres casas estilo funcionalista que diseñó O’Gorman para Diego, Frida y para él en este mismo terreno.

Prepara tu Visita
Dirección: Diego Rivera s/n, San Ángel Inn, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $45 pesos
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 17:30 hrs.
Página Web: estudiodiegorivera.inba.gob.mx
Facebook: facebook.com/CasaEstudioDRyFK
Instagram: instagram.com/museoestudiodiegorivera
Twitter: x.com/casaestudiodr
YouTube: youtube.com/@museocasaestudiodiegorivera

Arte y Cultura, Exposiciones

Carmen Carrillo. Mujer líder y creativa en el Museo de El Carmen

Seguramente me tomarías por loco, si, te dijera que Carmen Carrillo Martínez (mejor conocida como Carmen Carrillo de Antúnez, por su apellido de casada) fue una de las artistas más importantes de la primera mitad del siglo XX. Porque aceptémoslo, a pesar de su importancia, prácticamente nadie conoce el nombre de Carmen Carrillo. Pero, aun así, su trabajo no solo sirvió como pieza de arte, sino que se convirtió en un ensayo etnográfico que nos permitió conocer las culturas indígenas de México de una forma única. Y es que, Carmen Carrillo fue una ceriescultora (escultora en cera), que dedicó su vida a viajar por todo el país, retratando las tradiciones y costumbres de los pueblos indígenas. Por lo mismo, algunas de sus piezas se encuentran en la exposición permanente del Museo Nacional de Antropología, aunque no llevan el crédito correspondiente.

¿Puedes imaginar todo lo que pudimos conocer gracias al trabajo de Carmen Carrillo? Para que puedas conocer el trabajo de esta ceriescultora, descubrir la importancia de sus esculturas, y descubrir las danzas más importantes de nuestros pueblos originarios, el Museo de el Carmen presenta la exposición Carmen Carrillo. Mujer líder y creativa, un pequeño, pero muy completo, recorrido a través de las esculturas que realizó la artista, replicando las danzas tradicionales mexicanas. Esto, al mismo tiempo que revaloriza el trabajo de Cleotilde Carrillo, hermana de Carmen, y quien realizó gran parte del trabajo bordado de las esculturas (aunque lo se sabe en qué porcentaje).

La muestra reúne un buen número de esculturas de cera en las que se retratan bailes como la Danza de los Viejitos, del pueblo Purépecha en Michoacán; la Danza de los Quetzalines, de los Nahuas de Quetzalán, en Puebla; o la Danza de Pascuala y el venado, de los Yakis y Mayos de Sinaloa y Sonora; entre otras. Además de las esculturas, que ya son bastante impresionantes, la muestra cuenta con algunas infografías y fichas museográficas que nos ayudarán a conocer un poco más de la vida y obra de Carmen Carrillo, así como del proceso de creación y restauración de las obras. Todo esto, convierten a esta exposición en una ventana a la ceriescultura y escultura etnográfica mexicana que vale la pena conocer.

Carmen Carrillo. Mujer líder y creativa es una exposición única en su tipo. Y es que, más allá de la impresionante calidad artística de Carmen y Cleotilde, la muestra busca sacar del anonimato a las artistas que fueron relegadas por la misma naturaleza de su obra. Por si fuera poco, es una expo que nos permite adentrarnos en las tradiciones mexicanas que, poco a poco, están quedando en el olvido. Por todo esto y más, vale mucho la pena darse una escapada del caos de la CDMX y vivir el arte y cultura en el Museo de el Carmen; además, una vez ahí, podrás recorrer los impresionantes pasillos del ex convento de El Carmen, y visitar a las momias de la Ciudad de México.

Prepara tu Visita
Dirección: Av. Revolución #6, San Ángel, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $80 pesos
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 17:00 hrs
Página Web: lugares.inah.gob.mx/es/museos-inah/museo/404-museo-de-el-carmen.html?lugar_id=404&lugar_tipo=museos
Instagram: instagram.com/museodeelcarmen
Twitter: x.com/museodeelcarmen

Arte y Cultura, Exposiciones

Félix Blume: Variaciones sobre el Murmullo en el Laboratorio de Arte Alameda

Cuentan que aquel pueblo se quedó sin agua. Que, a consecuencia de esto, todos los animales e insectos murieron o se alejaron en busca de un nuevo hogar. Y que, al no haber insectos o animales, las noches en el pueblo, alejado de carreteras y ciudades, quedaba complemente en silencio. Los niños y las niñas, al no escuchar el arrullo de grillos y cigarras dejaron de dormir. ¿Alguna vez te has preguntado por los sonidos del entorno? ¿Qué pasará cuando los pájaros dejen de cantar, cuando los grillos dejen de grillar, cuando el aire deje de soplar, cuando lxs niñxs dejen de reír?

Aunque solemos darle más importancia a todo aquello que podemos ver en nuestro día a día, los sonidos juegan un papel indispensable en el mundo. Y es que, los sonidos nos acompañan siempre, susurrándonos que es lo que está pasando en nuestro entorno y convirtiéndose en nuestros eternos acompañantes. Y, aunque el mundo moderno nos ha llevado a olvidarnos de los sonidos que nos rodean, colocándolos en una especie de fondo inaudible, el simple hecho de que alguno de esos sonidos cotidianos deje de existir podría significar el fin de la raza humana o del planeta como lo conocemos. Por ejemplo, si las abejas dejaran de zumbar significaría que no quedan abejas, lo que llevaría a que muchas plantas no puedan ser polinizadas, reduciendo fuertemente el acceso a la alimentación humana y animal.

Félix Blume es un ingeniero de audio y artista sonoro de origen francés (que vive entre México, Brasil y Francia), que se ha dedicado a explorar el sonido como un medio en los espacios públicos; para ello, se acerca a comunidades con las que busca crear instalaciones, acciones y videos. Y, para que podamos conocer un poco más sobre el trabajo de Blume, el Laboratorio Arte Alameda presenta la exposición Félix Blume: Variaciones sobre el Murmullo, la primera muestra retrospectiva del artista sonoro. Esta expo busca invitarnos resignificar el sonido de nuestro entorno, llevándonos a través de un ejercicio de escucha acompañado de soportes físicos y en video.

¿Ya puedes imaginarte de qué trata la exposición? La verdad es que, explicar esta exposición es complicado, pues consiste en unas seis piezas en las que se mezcla el video, el sonido, la tecnología y la escultura, para crear una experiencia diferente. Y, si a esto le sumas que la expo se encuentra en el Claustro Bajo y el Coro del Laboratorio Arte Alameda, el ex convento de San Diego, pudo asegurarte que es una experiencia única. Pero, para que te des una idea, en la expo te encontrarás con piezas como Suspiros, intervención de ocarinas de barro contrastadas con un video de lxs niñxs que las tocaron y acompañadas del sonido del mar y el canto de las ocarinas; también te encontrarás con Suite de Chelos, una videoinstalación impresionante con videos de antiguos molinos de viento en Arizona, que van tocando un chelo con el aire.

¿Recuerdas la historia con la que empecé este texto? Pues esa historia pertenece a la pieza Los Grillos del Sueño, un video en el que, niños y niñas cuentan la historia de un pequeño pueblo sin agua. Pero lo más interesante de la pieza se encuentra al final de la historia, cuando explican cómo es que lxs niñxs resolvieron el problema del sueño. Y, esa solución se encuentra de manera física presente justo frente al video, generando un sonido ambiental que te será muy reconfortante. En mi opinión, la pieza más bella y reflexiva de la muestra.

Félix Blume: Variaciones sobre el Murmullo es una exposición única. Un recorrido surrealista y reflexivo en el que la tecnología, la arquitectura y los sentidos se unen para sumergirte en un mundo de arte y sonido. Así que, si buscas una experiencia diferente e impactante, vale mucho la pena que te des una vuelta por el Laboratorio de Arte Alameda y vivas en carne propia el trabajo de Félix Blume. Sin duda, te sorprenderá.

Prepara tu Visita
Vigencia: Hasta el 16 de febrero, 2025
Dirección: Dr. Mora #7, Centro Histórico, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $45 pesos. Domingos entrada libre
Horario: Martes a domingo de 9:00 a 17:00 hrs.
Página Web: artealameda.inba.gob.mx
Instagram: instagram.com/artealameda
Facebook: facebook.com/artealameda
Twitter: x.com/ArteAlameda
YouTube: youtube.com/c/LaboratorioArteAlameda
TikTok: tiktok.com/@laboratorioartealameda

Arte y Cultura, Exposiciones

Sobre los Huesos de Cuauhtémoc y de Hernán Cortés, Diego Rivera y el Gran Debate sobre la Mexicanidad en el Museo Mural Diego Rivera

¿Qué es le mexicanidad? ¿De dónde viene la identidad nacional de la que estamos tan orgullosxs lxs mexicanxs? ¿Es producto de la Caída de Tenochtitlán o fue una creación del gobierno posrevolucionario? ¿Somos un país mestizo o de sincretismos? Preguntas que se han centrado en los debates históricos y culturales desde hace algunos años y que, más allá de la respuesta que más nos convenza, buscan llevarnos a cuestionar nuestra identidad y cultura, para revalorizarla y entenderla mejor.

Buscando ahondar en la reflexión sobre estos temas, el Museo Mural Diego Rivera presenta la exposición Sobre los Huesos de Cuauhtémoc y de Hernán Cortés, Diego Rivera y el Gran Debate sobre la Mexicanidad; una colección de cien piezas de arte en las que se retoma la Conquista de México y la construcción de la identidad nacional, desde la perspectiva de diferentes artistas nacionales.

El recorrido inicia hablando de cómo es que lxs artistas trataron de crear una identidad nacional antigachupina (española) tras la independencia; tendencia que se radicalizó con el Liberalismo y la Guerra de Reforma, y que influenció fuertemente la ideología nacionalista de Diego Rivera. La exposición continúa con su centro temático, en el que nos narra cómo es que los restos de Hernán Cortés fueron redescubiertos en 1946 en la Iglesia de Jesús de a Nazareno, anexa al Hospital de a Jesús; y cómo fue que tres años después, la arqueóloga Eulalia Guzmán (sí, la que tiene una calle al norte de CDMX) descubrió la supuesta tumba de Cuauhtémoc (existe un debade sobre si es real o no) gracias a un documento firmado por el fraile Motolinía (quien tiene una calle en el centro). Y Diego Rivera fue invitado a la exploración de esta tumba… ¿y qué ching@%&$ tiene que ver Rivera en esta investigación? Pues lo invitaron para ayudar a recrear el cuerpo y rostro del tlatoani con ayuda de su estructura ósea; bocetos que, por cierto, se pueden apreciar en esta exposición.

A raíz de estos dos ejes temáticos que sirven como introducción, la expo empieza a adentrarse en la creación de la mexicanidad durante el siglo XX. Empieza con las interpretaciones de la Conquista durante el siglo XX, donde se pueden apreciar algunas obras (y fotografías) de Siqueiros y de Vicente Rojo, entre otros artistas mexicanos. Continúa con un breve debate sobre las visiones contemporáneas de la conquista y el mestizaje, y concluye con la forma en la que la idea del mestizaje se permeó a través de la publicidad. Justamente esta última sección es muy interesante, pues nos lleva a algunas de las obras icónicas que permaneces en nuestro imaginario mexicano gracias a los calendarios que tenían nuestras abuelas en su cocina; por ejemplo, la imagen de Cuauhtémoc, donde se le ve parado en la cima de una montaña apuntando con un águila, pintada por Jesús de la Helguera en 1871.

Sobre los Huesos de Cuauhtémoc y de Hernán Cortés es una exposición pequeña, pero muy completa, pues cuenta con todo lo necesario para llevarnos a profundizar en la creación de la mexicanidad y llevarnos a reflexionar si esta se creó desde que los españoles llegaron a Veracruz, conquistaron Tenochtitlán o si es un fenómeno más moderno. Es una oportunidad para reflexionar y apreciar en carne propia el trabajo de algunos de los artistas más grandes de México; además, es el pretexto perfecto para admirar el mural Sueño de una Tarde Dominical en la Alameda Central de Diego Rivera.

Prepara tu Visita
Vigencia: Hasta el 6 de febrero de 2025
Dirección: Calle Colón Balderas s/n, (frente a al Metrobús Hidalgo), Centro Histórico, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $40 pesos
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs.
Página Web: museomuraldiegorivera.inba.gob.mx
Instagram: instagram.com/museomuraldiegorivera
Facebook: facebook.com/museomural.diegorivera/
Twitter: x.com/museomural

Arte y Cultura, Exposiciones

Historia, juguetes y creatividad celebrando la historia y a Playmobil en el Museo de El Carmen

Playmobil ha sido, por décadas, una puerta a mundos tanto imaginarios como históricos. Estas figuras de juguete, tan queridas por chicxs y grandes, no solo nos llevan a explorar la imaginación, sino que también nos ayudan a entender el pasado. Gracias a su versatilidad y a la creatividad de lxs coleccionistas, Playmobil puede llevarnos de un salto al México de sor Juana Inés de la Cruz, al Londres victoriano o al País de Nunca Jamás. Ahora, toda esta capacidad de evocación cobra vida en la exposición Historia, juguetes y creatividad en el Museo de El Carmen, donde 23 figuras personalizadas y 24 dioramas están listos para transportarte a distintos lugares y épocas.

En esta exposición, que celebra el 95 aniversario del museo y el 50 aniversario de Playmobil, el recorrido está organizado en siete fascinantes categorías. Cada una de ellas tiene un tema que invita a conocer desde personajes históricos como Frida Kahlo, Vicente Guerrero o Gabriel García Márquez, hasta figuras de la cultura popular como el Principito, Baby Yoda, El Santo y Tin Tan, entre otros. Esta primera sección es perfecta para iniciar el recorrido y recordar que, aunque estas figuras sean pequeñas, su impacto en nuestra imaginación es enorme.

Luego, los dioramas nos llevan a escenarios de México y el mundo, con recreaciones de monumentos y lugares de la CDMX. La tercera categoría continúa explorando el pasado, y nos transporta a lugares como Tenochtitlan y Alejandría, e incluso a un Londres en plena era victoriana. Cada diorama está minuciosamente diseñado, logrando que personajes y escenarios cobren vida en una miniatura que invita a aprender mientras observamos.

También podemos ver recreaciones de batallas históricas que han marcado la historia mundial. Más adelante, las y los visitantes también encontrarán escenas de cuentos como Peter Pan o El Decamerón, así como escenas cinematográficas icónicas como Volver al Futuro, el Señor de los Anillo, Santo Contra las Momias de Guanajuato, Las Crónicas de Narnia y el Mago de Oz. Esta exposición no solo destaca por su nostalgia, sino que también busca educar de forma divertida y visual.

Finalmente, y como homenaje a la naturaleza, la muestra cuenta con una sección centrada en el reino animal y la conservación, recordándonos la belleza y diversidad de nuestro planeta. Así, Historia, juguetes y creatividad en el Museo de El Carmen se convierte en una visita obligada para todxs aquellxs que buscan sumergirse en el juego, la historia y la imaginación, en una exposición donde cada diorama cuenta una historia y, al mismo tiempo, nos invita a ser parte de ella.

Prepara tu Visita
Dirección: Av. Revolución #6, San Ángel, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $80 pesos
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 17:00 hrs
Página Web: lugares.inah.gob.mx/es/museos-inah/museo/404-museo-de-el-carmen.html?lugar_id=404&lugar_tipo=museos
Instagram: instagram.com/museodeelcarmen
Twitter: x.com/museodeelcarmen

Arte y Cultura, Exposiciones

Siqueiros y los Artistas Americanos. Casos de Estudio en el Museo de Arte Carrillo Gil

David Alfaro Siqueiros no solo fue un pintor excepcional, sino también un ferviente activista y un visionario en cuanto al papel del arte en la sociedad. Su vida estuvo marcada por los viajes, el exilio y la lucha constante en contra de la opresión, lo que lo llevó a distintos rincones del continente americano. En cada país que visitó, desde Argentina hasta Estados Unidos, Siqueiros no solo creó murales, sino que también forjó conexiones profundas con artistas locales, construyendo una red cultural comprometida con temas sociales y políticos que aún resuenan. Estos encuentros consolidaron su influencia y su visión de un arte militante que buscaba, ante todo, la justicia y el cambio social.

La influencia de Siqueiros en América fue tan poderosa que el muralismo mexicano comenzó a ser reconocido como un movimiento transformador a nivel continental. Inspirado en los ideales de la Revolución Mexicana, Siqueiros abordó temas como la libertad, la nacionalización de los recursos naturales y la defensa de los derechos del pueblo. Para él, el arte no debía ser neutral, sino que debía denunciar la injusticia, educar a la sociedad y promover la identidad nacional. Esta postura lo convirtió en una figura admirada y controversial, capaz de inspirar a una generación de artistas y activistas en distintas naciones.

En honor a su legado, el Museo de Arte Carrillo Gil presenta la exposición Siqueiros y los Artistas Americanos. Casos de Estudio, que celebra tanto el 50 aniversario luctuoso del artista como el medio siglo de vida del museo. Esta muestra ofrece una visión única sobre las conexiones artísticas y políticas que Siqueiros estableció a lo largo de su vida. A través de cinco casos de estudio, se exploran los lugares donde el artista dejó una huella significativa y las amistades que surgieron de estos encuentros. Cada ciudad y colaboración fueron espacios donde su visión del arte como herramienta de cambio floreció y se fortaleció.

La exposición está organizada cronológicamente, destacando ciudades como Lima, Los Ángeles, Buenos Aires, Nueva York, Chillán y La Paz. Cada una de estas paradas en la vida de Siqueiros se convierte en un capítulo dentro de la muestra, donde se pueden apreciar obras, cartas, fotografías y otros materiales que documentan los momentos clave de su carrera y las conexiones que hizo. Estos objetos de archivo revelan la forma en que Siqueiros forjó lazos que trascendieron la pintura, creando un movimiento de colaboración y solidaridad que unió a artistas de toda América.

Al visitar Siqueiros y los Artistas Americanos, no solo descubrirás la riqueza artística de Siqueiros, sino también su lado más humano y comprometido. La exposición invita a reflexionar sobre el poder del arte como motor de cambio social y sobre cómo los ideales de libertad, igualdad y justicia que Siqueiros defendió siguen vigentes. Es un tributo a un artista que trascendió fronteras y un recordatorio de la capacidad del arte para conectar a las personas en la lucha por un mundo mejor.

Prepara tu Visita
Dirección: Av. Revolución #1608, San Ángel, Ciudad de México, CDMX
Costo por persona: $65 pesos
Horario: Martes a domingo de 10:00 a 18:00 hrs. (Último acceso a las 17:30)
Página Web: museodeartecarrillogil.com
Instagram: instagram.com/museocarrillogil
Facebook: facebook.com/museocarrillogil
Twitter: x.com/Carrillo_Gil